《我学习艺术的故事》习作讲评课教学设计
天津钢管公司小学 张春合
【教学目标】
指导学生评价，修改，使学生能够运用细致的动作、细腻的心理描写把学习艺术的过程写得具体、生动。
【教学重点】培养学生自我修改作文的能力。
【教学难点】指导学生能够运用细致的动作、心理描写把学习艺术的过程写得具体、生动。
【课前准备】
阅读学生的习作初稿，选取有代表性的句段制成幻灯片，范文打印稿。
【讲评时数】一课时
【讲评过程】
一、小结：我们写的不错，但也有不足
大家期待的作文课又到了，准备好了吗？
１、这次我们写《我学习艺术的故事》，作文收上来，老师统计了一下，写学习手工制作（泥塑、剪纸）有１０人，音乐（乐器）的有７人，绘画的有６人，棋类有６人，书法有４人，舞蹈有１人。每篇作文都符合学习艺术这个要求。
２、老师把作文读了一遍又一遍，发现大家有两个优点：
（１）、能把学习这门艺术的故事写完整。
（２）、能写出自己的感受。
这也正是我们单元习作的要求。
３、但是，我们的作文中还存在着明显的问题，就是细节描写中的动作描写，心理描写还不够细致，生动。
这节课我们就针对这两个问题进行讲评，修改。
二、欣赏：这样的句子真好（读）
我们先一同分享这次作文中的好的语段。
指名读，其他同学思考这些语段的共同点。
１． 动作：
（来自学生作文的句段均用幻灯片出示，下同。）
（１）陈美霖《做陶泥的乐趣》
我想做一个泥碗，精致的碗身，光滑的碗里，圆圆的碗口……说干就干，首先用泥锤用力捶打泥巴。伴随着有节奏的“砰砰”响，渐渐的，泥块变扁了，也不那么粘了。我把它摊开，平放在木质圆盘上，用圆规切下一块直径大约４厘米的月饼似的圆盘，这便是碗底了。接着我把剩余泥块搓成圆条，把它围着碗底边缘一圈一圈地盘起来……
（２）王硕《我与古筝的不了情》
我听呆了，因为老师弹得那样纯熟，动听；我看呆了，因为我看到老师那纤细的手指在琴弦上拨来摆去，像水中的游鱼，天空的飞鸟，那样自如。
这些动作描写体现了作者学习艺术的过程（做什么，怎么做）。
２． 心理：
（１）孙称《书法之路》
只见她的手动来动去，不一会儿，一个漂亮的字就写好了，不仅美观，而且很秀气。老师走了过来，说：“你试试她的笔，写一个字。”我心想：写就写，有什么大不了的！不都是用毛笔写的嘛！我写的说不定比她写的好看呢！可是，当我拿起她的毛笔，写第一笔时，就发现不是那么简单。当我艰难的写完这个字，看到它弯弯扭扭的样子，我不禁想：这差距怎么这么大，她写的那么秀气，我却写的那么难看。
（２）燕春青《下象棋给我带来的快乐》
比赛开始，我就拼命地保棋，很少进攻对方，几分钟过去，我已经损兵折将了。我垂头
丧气地想：真倒霉，为什么只守不攻，我真笨，下棋怎么能只防守呢？我改变招数，开始进攻，局面慢慢扭转……很快对手有一招大意，露出破绽。我心想：哈哈，可算让我抓住机会了，我一定要打败你！
这些心理描写揭示了作者学习过程过程中的内心活动（什么情况下会想些什么）。
（设计意图：本环节，我选取了“动作”和“心理”两方面进行欣赏，所选句子均来自学生作文，通过赏读放大，让小作者听到朗读着他的句子和名字，享受作文带给他的尊严、自信和光荣，一定会使他对作文产生好感。“欣赏”的重要价值还在于，伙伴的语言是一种无障碍的学习语言，伙伴的精彩，很快会成为同伴的精彩。学生不可能一节课都学会，但长期积淀必有好处。）
三、 挑刺：仅有欣赏的力量是不够的（说）
师：当然，这次作文，有些同学的动作和心理描写也存在着一些问题。
出示两篇病文。
《陶泥时间》做泥罐
我按照老师的吩咐先做出一个底，接着搓泥条，盘罐身。可是问题来了，缺口太多，补不过来。老师看见，给了我泥浆，让我用手往罐身上抹。我这样做了，果然好了很多。之后我又往罐身上刻了花，写上了名字。我很高兴。
《学习书法的苦与乐》
刚开始，我先是练习写自己的名字。我拿起笔，弄了一定的墨，写了一下自己的名字。可是不管我怎么努力，字总是不知不觉地“倒了下来”。
……
于是，我又拿起笔，深呼吸了一口气，然后迅速把墨弄好，又在纸上挥舞了几下，我看见了以后，自己都不敢相信，字竟然没倒下。
学生自由读，分析问题，合作修改。
（设计意图：本环节给文章挑刺，学生获得的是智慧。新课标对学生修改习作提出了明确的要求。怎样改更有效？老师要根据学生习作中暴露的问题，找出通病做典型指导。一节课不要太多，一两个就行，时间长了就会解决。也不要指望某一病症一节课就能完全改掉，需要反复练习、循环上升。）
四、修改：我可以这样改（改）
学生找出自己习作中存在的问题，运用刚才的方法修改自己的作文。
（设计意图：本环节，引导学生在自我修改的过程中提高写作能力。）
五、总结：让我们的习作更精彩
师：同学们，好文章是改出来的，希望通过这节课的学习，能对我们以后如何修改习作起到启发，起到帮助，希望同学们都能养成自我修改的习惯，让自己的习作更加精彩。
板书： 我学艺术的故事
作用 方法
动作 体现过程 精选动词，连贯动作
细节描写 具体，生动
心理 揭示内心 符合情境，实事求是
作文二：《《我学艺术的故事》》2100字《我学习艺术的故事》习作讲评课教学设计
天津钢管公司小学 张春合
【教学目标】
指导学生评价，修改，使学生能够运用细致的动作、细腻的心理描写把学习艺术的过程写得具体、生动。
【教学重点】培养学生自我修改作文的能力。
【教学难点】指导学生能够运用细致的动作、心理描写把学习艺术的过程写得具体、生动。
【课前准备】
阅读学生的习作初稿，选取有代表性的句段制成幻灯片，范文打印稿。
【讲评时数】一课时
【讲评过程】
一、小结：我们写的不错，但也有不足
大家期待的作文课又到了，准备好了吗？
１、这次我们写《我学习艺术的故事》，作文收上来，老师统计了一下，写学习手工制作（泥塑、剪纸）有１０人，音乐（乐器）的有７人，绘画的有６人，棋类有６人，书法有４人，舞蹈有１人。每篇作文都符合学习艺术这个要求。
２、老师把作文读了一遍又一遍，发现大家有两个优点：
（１）、能把学习这门艺术的故事写完整。
（２）、能写出自己的感受。
这也正是我们单元习作的要求。
３、但是，我们的作文中还存在着明显的问题，就是细节描写中的动作描写，心理描写还不够细致，生动。
这节课我们就针对这两个问题进行讲评，修改。
二、欣赏：这样的句子真好（读）
我们先一同分享这次作文中的好的语段。
指名读，其他同学思考这些语段的共同点。
１． 动作：
（来自学生作文的句段均用幻灯片出示，下同。）
（１）陈美霖《做陶泥的乐趣》
我想做一个泥碗，精致的碗身，光滑的碗里，圆圆的碗口……说干就干，首先用泥锤用力捶打泥巴。伴随着有节奏的“砰砰”响，渐渐的，泥块变扁了，也不那么粘了。我把它摊开，平放在木质圆盘上，用圆规切下一块直径大约４厘米的月饼似的圆盘，这便是碗底了。接着我把剩余泥块搓成圆条，把它围着碗底边缘一圈一圈地盘起来……
（２）王硕《我与古筝的不了情》
我听呆了，因为老师弹得那样纯熟，动听；我看呆了，因为我看到老师那纤细的手指在琴弦上拨来摆去，像水中的游鱼，天空的飞鸟，那样自如。
这些动作描写体现了作者学习艺术的过程（做什么，怎么做）。
２． 心理：
（１）孙称《书法之路》
只见她的手动来动去，不一会儿，一个漂亮的字就写好了，不仅美观，而且很秀气。老师走了过来，说：“你试试她的笔，写一个字。”我心想：写就写，有什么大不了的！不都是用毛笔写的嘛！我写的说不定比她写的好看呢！可是，当我拿起她的毛笔，写第一笔时，就发现不是那么简单。当我艰难的写完这个字，看到它弯弯扭扭的样子，我不禁想：这差距怎么这么大，她写的那么秀气，我却写的那么难看。
（２）燕春青《下象棋给我带来的快乐》
比赛开始，我就拼命地保棋，很少进攻对方，几分钟过去，我已经损兵折将了。我垂头
丧气地想：真倒霉，为什么只守不攻，我真笨，下棋怎么能只防守呢？我改变招数，开始进攻，局面慢慢扭转……很快对手有一招大意，露出破绽。我心想：哈哈，可算让我抓住机会了，我一定要打败你！
这些心理描写揭示了作者学习过程过程中的内心活动（什么情况下会想些什么）。
（设计意图：本环节，我选取了“动作”和“心理”两方面进行欣赏，所选句子均来自学生作文，通过赏读放大，让小作者听到朗读着他的句子和名字，享受作文带给他的尊严、自信和光荣，一定会使他对作文产生好感。“欣赏”的重要价值还在于，伙伴的语言是一种无障碍的学习语言，伙伴的精彩，很快会成为同伴的精彩。学生不可能一节课都学会，但长期积淀必有好处。）
三、 挑刺：仅有欣赏的力量是不够的（说）
师：当然，这次作文，有些同学的动作和心理描写也存在着一些问题。
出示两篇病文。
《陶泥时间》做泥罐
我按照老师的吩咐先做出一个底，接着搓泥条，盘罐身。可是问题来了，缺口太多，补不过来。老师看见，给了我泥浆，让我用手往罐身上抹。我这样做了，果然好了很多。之后我又往罐身上刻了花，写上了名字。我很高兴。
《学习书法的苦与乐》
刚开始，我先是练习写自己的名字。我拿起笔，弄了一定的墨，写了一下自己的名字。可是不管我怎么努力，字总是不知不觉地“倒了下来”。
……
于是，我又拿起笔，深呼吸了一口气，然后迅速把墨弄好，又在纸上挥舞了几下，我看见了以后，自己都不敢相信，字竟然没倒下。
学生自由读，分析问题，合作修改。
（设计意图：本环节给文章挑刺，学生获得的是智慧。新课标对学生修改习作提出了明确的要求。怎样改更有效？老师要根据学生习作中暴露的问题，找出通病做典型指导。一节课不要太多，一两个就行，时间长了就会解决。也不要指望某一病症一节课就能完全改掉，需要反复练习、循环上升。）
四、修改：我可以这样改（改）
学生找出自己习作中存在的问题，运用刚才的方法修改自己的作文。
（设计意图：本环节，引导学生在自我修改的过程中提高写作能力。）
五、总结：让我们的习作更精彩
师：同学们，好文章是改出来的，希望通过这节课的学习，能对我们以后如何修改习作起到启发，起到帮助，希望同学们都能养成自我修改的习惯，让自己的习作更加精彩。
板书： 我学艺术的故事
作用 方法
动作 体现过程 精选动词，连贯动作
细节描写 具体，生动
心理 揭示内心 符合情境，实事求是
作文三：《艺术的故事》2600字艺术的故事
王羲之卖扇 王羲之的书法受到世人的推崇，留下了很多关于他的书法的轶闻趣事。有一次，王羲之看到有个老婆婆拎了一篮竹扇在叫卖，但因为扇子很简陋，没什么人买，老婆婆十分着急。王羲之很同情那老婆婆，就对她说：“你这竹扇上没有字画，当然卖不出去。我给你题上字，怎么样？老婆婆见他这样热心，就把扇子交给他写。王羲之提起笔来，在每把扇面上龙飞凤舞地写了五个字，就还给老婆婆。老婆婆觉得他写得很潦草，担心更卖不出去。王羲之安慰她说：“别急，你只告诉买扇的人，说上面是王羲之写的字。”老婆婆就照他的话做了，人们听说是王羲之的字，都抢着卖，一篮扇子很快就卖完了。
３王羲之爱鹅
王羲之特别喜欢鹅，只要听说什么地方有好鹅，他都会兴致勃勃地去看，或干脆买回来玩赏。
传说，有一个道士，一直想请王羲之写一本《道德经》。他听说王羲之最喜欢白鹅，喜欢白鹅高洁的性格、昂首的姿势、洪亮的叫声，就特地养了一群白鹅。
一天，王羲之路过道士家，只见门前清清的池水上，游著一群白鹅，张开了翅膀，拍打著水花，高昂著头，大声叫著，朝前游去。王羲之被这景像迷住了，久久不愿离去。他要求道士把这群鹅卖给他。首士笑著说：
王羲之二话没说，当场替道士抄写了这本经。道士非常高兴，立即把这群鹅装进笼子送给王羲之表示感谢。现在绍兴城外的兰亭公园里，有一个鹅池，池边树著一块石碑，碑上
小泽征尔的自信
小泽征尔是世界著名的交响乐指挥家。在一次世界级的大赛决赛中，他按照评委会给的乐谱指挥演奏，敏锐的他发现了不和谐的声音。起初，他以为是乐队演奏出了错误，于是他叫乐队停下来重新演奏，但很快他发觉还是不对：他认为一定是乐谱有问题，于是就问在场的评委，这时，在场的作曲家和评委会的权威人士坚持说乐谱绝对没问题，是他错了。面对一大批音乐大师和权威人士，他思考再三，最后斩钉截铁地大声说：“不！一定是乐谱错了！”话音刚落，评委席上响起了热烈的掌声，祝贺他大赛夺魁。原来这是评委们精心设计的“圈套”，以此来检验指挥家在发现乐谱错误遭到权威人士“否决”的情况下，能否坚持自己的正确主张，前两位发现乐谱错误终因随声附和权威们的意见而遭淘汰，小泽征尔却因充满自信而摘取了世界指挥家大赛的桂冠。
雕凿人生
在文艺复兴时期，意大利雕刻家米开朗基罗用了四年的时间，完成了举世闻名的大
理石雕刻，名为“大卫”，现在存放于佛罗伦萨美术学院。每当朋友问起米开郎其罗是如何雕凿出栩栩如生的“大卫”像的秘诀时，他只是轻描淡写地说：“大卫本来就在这块大理石之内，我只是将不属于大卫的石块凿掉罢了！”
其实我们每个人的成功并非要改头换面，脱胎换骨，而只要将自己美好的“本来面目，呈现人前”。成功就是恰如其份的展现自己的优点。
留意小节
有一天，米开朗基罗刚完成了一件作品，正在凝望作品沉思之际，一位朋友到访，问他正在想甚么。他答道：“我在构思，把雕像这部分修改一下，把那部分稍加打磨，把这部分弄得柔和一些，使肌肉的线条突出一点……”
朋友不耐烦地说：“这些都是小节而已！”
米开朗基罗很认真地回应说：“也许你可以这样说，但请你记着，将所有小节加起
来，就是完美，而完美绝不是小节！”
之所以注重小节，才如此多的完美作品可以在米开朗基罗的手下诞生。众观我们自己，如果平时就开始规划自己，从点点滴滴的小节做起，那么你只需要随时保持着微笑。接下来要做的就是把握机会，充满自信，迎接挑战！相信成功会属于你的，因为你已经迈出了走向成功的坚实的第一步。
王献之是王羲之的第七个儿子，自幼聪明好学，在书法上专工草书隶书，也善画画儿。他七八岁时始学书法，师承父亲。有一次，王羲之看献之正聚精会神地练习书法，便悄悄走到背后，突然伸手去抽献之手中的毛笔，献之握笔很牢，没被抽掉。父亲很高兴，夸赞道：“此儿后当复有大名。”小献之听后心中沾沾自喜。还有一次，羲之的一位朋友让献之在扇子上写字，献之挥笔便写，突然笔落扇上，把字污染了，小献之灵机一动，一只小牛栩栩如生于扇面上。再加上众人对献之书法绘画赞不绝口，小献之滋长了骄傲情绪。献之的父母看此情景，若有所思„„
一天，小献之问母亲郗氏：“我只要再写上三年就行了吧？”妈妈摇摇头。“五年总行了吧？”妈妈
又摇摇头。献之急了，冲着妈妈说：“那您说究竟要多长时间？”“你要记住，写完院里这１８缸水，你的字才会有筋有骨，有血有肉，才会站得直立得稳。”献之一回头，原来父亲站在了他的背后。王献之心中不服，啥都没说，一咬牙又练了５年，把一大堆写好的字给父亲看，希望听到几句表扬的话。谁知，王羲之一张张掀过，一个劲地摇头。掀到一个“大”字，父亲现出了较满意的表情，随手在“大”字下填了一个点，然后把字稿全部退还给献之。
小献之心中仍然不服，又将全部习字抱给母亲看，并说：“我又练了５ 年，并且是完全按照父亲的字样练的。您仔细看看，我和父亲的字还有什么不同？”母亲果然认真地看了３天，最后指着王羲之在“大”字下加的那个点儿，叹了口气说：“吾儿磨尽三缸水，惟有一点似羲之。”
献之听后泄气了，有气无力地说：“难啊！这样下去，啥时候才能有好结果呢？”母亲见他的骄气已经消尽了，就鼓励他说：“孩子，只要功夫深，就没有过不去的河、翻不过的山。你只要像这几年一样坚持不懈地练下去，就一定会达到目的的！”
献之听完后深受感动，又锲而不舍地练下去。功夫不负有心人，献之练字用尽了１８大缸水，在书法
上突飞猛进。后来，王献之的字也到了力透纸背、炉火纯青的程度，他的字和王羲之的字并列，被人们称为“二王”。
怀素小时候家里很穷，年少时就出家当了和尚，诵经坐禅等佛事之余，他对练字产生了兴趣。因为买不起纸张，就找来一块木板和圆盘，涂上白漆书写。后来，怀素觉得漆板光滑，不易着墨， 就又在寺院附近的一块荒地，种植了一万多株的芭蕉树。芭蕉长大后，他摘下芭叶，铺在桌上，临帖挥毫。
由于怀素没日没夜的练字，老芭蕉叶剥光了，小叶又舍不得摘，于是想了个办法，乾脆带了笔墨站在芭蕉树前，对着鲜叶书写，就算太阳照得他如煎似熬；刺骨的北风冻得他手肤迸裂，他还是在所不顾，继续坚持不懈地练字。他写完一处，再写另一处，从未间断。这就是有名的怀素芭蕉练字。
他勤学精研；又用漆盘、漆板代纸，写至再三，盘板都穿，秃笔成冢，以“狂草”出名。“运笔迅速，如骤雨旋风，飞动圆转，随手万变，而法度具备”。前人评其狂草继承张旭又有新的发展，谓“以狂继颠”，并称“颠张醉素”。对后世影响也很大。
作文四：《艺术的故事》20800字一、艺术的定义
艺术是指用形象来反映现实但比现实有典型性的社会意识形态，包括文学、书法、绘画、雕塑、建筑、音乐、舞蹈、戏剧、电影、曲艺等。
艺术是语言重要补充方法，就像讲话中我们会用大声代表生气，用笑声代表开心，用手舞足蹈 代表焦急或者其他的心情来传递给对方。所以，每件艺术品都应该有他独特的诉求，这种诉求就是艺术的生命力。
１、特征
（１）形象把握与理性把握的统一
形象，即审美形象。在广义上包含审美的情境和意境，主要是指艺术活动中能引起人的思想或情感活动的生动、具体、可感的人物和事物形象。形象是艺术活动特有的存在方式，艺术作品作为人的精神生产的产品，依存于一定的物质载体，它必须是直观的、具体的，能为人的感官直接感知的感性存在。形象是构成艺术作品的基本阿袁（即陈忠远）《咏香诗》书法艺术阿袁（即陈忠远）《咏香诗》书法艺术要素，所以每个艺术形象都必须以个别具体的感性形式出现，把生活中的人、事、景、物的外部形态和内在特征真实地表现出来，有血有肉，有声有色，使人产生一种活灵活现的真实感。艺术形象又是艺术家认识体验生活的结果，是艺术家审美意识的结晶，因此艺术形象又具有艺术家审视、体验生活时把握到的鲜活性和具体性，通过人的视觉、听觉等感官能够感受、把握到艺术形象的色彩、线条、声音、动作，给人以闻其声，见其人，临其境的审美感受。
艺术形象贯穿于艺术活动的全过程。艺术家在创造的过程中始终离不开具体的形象。正如郑板桥画竹子，他观察、体验竹子的形象始于“园中之竹”、“眼中之竹”，艺术构思孕育了“胸中之竹”，而磨砚展纸倏作变相最后完成了“手中之竹”，可见竹子的形象自始至终伴随了画竹的全过程。艺术家不仅在创作过程中从不脱离生动具体的形象，其创造的成果艺术品， 更须展现具体可感的艺术形象，并以其强烈的艺术感染力去打动每一个欣赏者。因此，艺术欣赏的过程也要通过对艺术形象的感情来引发对作品中情境、意境的体味。这足以说明形象贯穿了艺术活动的每个环节， 形象性成为艺术区别于其它社会意识形态的最基本的特征，也是艺术反映社会生活的特殊形式，是创作主体对于客体对象瞬间领悟式的审美创造。它是感性的不是推理的，是体验的，而不是分析的。
同时，艺术形象的创造又不能离开理性，艺术中的形象是有意味的形象，是渗透了艺术家深刻理性思考的形象。它不是客观生活图景随意照搬，而是艺术家经过选择、加工并融入艺术家对人生理解，对社会事物的态度和理性认识的外化和彰显。鲁迅先生就曾说过：画家所画的，雕塑家所雕塑的“表面上是一张画、一个雕像 ，其实是他的思想和人格的表现。另外，艺术家从事创作活动中的理性思维，在把握时代氛围，遴选素材和题材，构思主题和情节，选择表现形式等方面均具有举足轻重的作用。艺术活动是形象把握与理性把握的有机统一。
（２）情感体验与逻辑认知的统一
艺术中的情感即审美的情感，是一种无功利的具有人类普遍性的情感。情感在艺术活动动机的生成，创造与接受过程中均是重要的因素之一。同时，情感又是艺术创作的基本的元素。艺术活动总是伴随着情感，这是欲望、兴趣、个性的具体的心理表现，也是对对象能否满足自身欲望的价值评判。俄国作家列夫·托尔斯泰就曾在他的《论艺术》中指出：文艺创作是艺术家“ 在自己的心里唤起曾一度体验过的感情并且在唤起这种感情之后，用动作、线条、色彩、声音及言词所表达的形象来传达出这种感情，使别人也能体验到同样的感情———这就是艺术活动。”情感主宰着艺术活动的整个过程，贯串在艺术创作的整个心理过程
之中。艺术活动中的“感觉”，受到“享受”的欲望的支配，总是被对象的能引起自己愉快的色彩、声音所吸引； 艺术活动中的“知觉”往往按照情感的需要去选择并加工对象，按照情感图式去选择与“判断”对象；艺术活动中的“想像”按照主体的情感要求的走向去创造合乎自己情感和目的的形象。艺术活动中的“理解”往往是一种个性化的体认与感悟，通过体悟获得对生命与人生意义的深切理解，它无疑是一种饱含着情感的活动。
艺术家的情感往往通过艺术形象得到充分的展现，艺术家反映生活，描绘艺术形象，绝不是冷漠的、无动于衷的，而是凝聚着他的思想情感、爱憎褒贬，渗透着他的审美情趣、审美理想。１９３７ 年４ 月，德国法西斯发动了４０ 多架飞机对西班牙巴斯克文化名城格尔尼卡进行狂轰滥炸，激起了绘画大师毕加索的强烈义愤，他在短短的一个月时间内就完成了那幅名垂画史的， 伸张正义与控诉罪行的力作《格尔尼卡》。
当代著名作家巴金也曾说过：“我写《家》的时候，我仿佛在跟一些人一同受苦，一同在魔爪下面挣扎。我陪着那些可爱的年轻生命欢笑，也陪着他们哀哭，我一个字一个字地写下去，我好象在挖开我的记忆的坟墓，我又看见了使我的心头激动的一切。”正因为艺术家的心灵受到如此强烈的爱与憎烈火的熬煎， 《家》才能使 一代又一代的读者受到感动。情感不仅在艺术创作中，而且在艺术欣赏中也有着十分重要的地位和作用，它使人在欣赏艺术作品时感到兴奋、满足，甚至陶醉。据说孔子在齐国听了《韶》乐后“， 三月不知肉味”，完全沉醉在美妙的音乐之中了。唐代诗圣杜甫听了当时一位音乐家的演奏之后，禁不住发自肺腑地赞叹道：“此曲只应天上有，人间哪得几回闻？”８ 这些描述足以说明艺术家的创作活动凝聚和渗透了巨大的威摄和震撼力。
在审美以及艺术创造和艺术欣赏活动中，情感不仅与形象联系在一起，也同认知联系在一起，是随着审美认知而产生的一种特殊的心理现象，其基础是审美认知。经过审美认知，及其复杂的思想活动，生活中的美才能被发现、被感悟。
一个思想空虚，缺乏对社会与人生具有深刻认识的人是难以产生丰富、强烈的审美情感的，因而也就不会成为优秀的艺术家和出色的欣赏者。在艺术活动中，情感与思想认知是交融在一起的。没有情感的说教不是艺术，没有思想的情感也不能产生艺术。真正的艺术活动是情感体验与逻辑认知的统一。
（３）审美活动与意识形态的统一
艺术的审美特性是区别于其他社会实践活动的根本标志。所谓审美特性，是指艺术作品所具有的美学品质和审美价值。艺术作品是艺术家审美理想的结晶，是美的创造的结果。它不仅以情动人，更以美感人，使人得到一种精神上的愉悦享受。艺术作品中的形象由于集中、浓缩了生活中的形象美，因此比生活中实际存在的事物的形象更具有形而上的审美特性。中国传统绘画中的梅花形象，往往老干虬枝，横斜逸出，凌寒傲霜、迎春怒放，体现了一种老树新花、青春勃发的审美内涵，使人产生比观赏生活中的梅花更丰富的美感。艺术作品表现生活中美的形象，使之更加突出完美，表现生活中的丑，同样可以化生活丑为艺术美。艺术家在作品中，通过对生活丑的嘲讽和鞭笞，充分暴露出其丑恶的本质，引起人们对丑的厌恶与鄙视，从而去消灭丑、根除丑用以激发起人们对美好事物的憧憬与向往，此时的生活丑也就具有了一定的美学意义与价值。譬如，以反腐倡廉为题材的艺术作品，通过对腐败现象的暴露和批判，充分揭示了社会腐朽现象对社会主义建设的危害性、并给世人以警示，同样达到了化腐朽为神奇的震撼力，使欣赏者获得了一种特殊的美感。
艺术不仅是一种审美的活动，具有审美特性，而且艺术仍属于上层建筑中的意识形态，具有意识形态性质。归根结底，艺术是人对世界的一种精神把握的方式，人们通过艺术达到对世界的认识，也包含着人对自己的认识。而且，艺术中的审美性是其最根本的本质属性，其意识形态特征则是隐藏在审美特性之中的，它使艺术的审美世界具有了更为广阔和深邃的内涵，因此，我们说艺术活动是审美活动与意识形态的统一。
２、类型
（１）绘画和雕塑
绘画和雕塑都主要运用形、色、质以及点、线、面、体等造型手段构成一定的艺术形象。前者是在二维平面上表现，后者则在三维空间中塑造，造型性是它们最重要的审美特征。 由于表现手段不同，绘画种类非常丰富，而写实与表现是两种最主要的方式。写实性绘画直接模仿自然和现实事物形象，多用逼真的手段达到特定的具象效果；表现性绘画侧重强调主观精神，多采取夸张、变形、象征、抽象等手法直接表达主体情感体验与审美需要，实现艺术形象的创造。例如，中国画的特色不仅在于其工具材料（毛笔、宣纸、墨色）有着很大的特殊性，更重要的，是它高度重视抒发主体的内在精神，强调“以形写神”、“神形兼备”，追求气韵、传神和意境，不是向着客观世界去研究形象的物质特性，而是为着心灵需要去触及绘画的形象性，含蓄、深沉地表现主体精神品质，由此形成中国画独特的审美意蕴。 雕塑对于艺术形象的塑造具有高度的概括性和象征性。它以物质实体性的形体，在三维空间中塑造可视、可触及立体的艺术形象，其审美特性是在空间中获得的，与雕塑有关的周围环境也是雕塑作品的有机组成部分。一般来讲，雕塑主要通过两种方式表达：一是清晰地呈现，二是含蓄的暗示。例如，现代主义雕塑便往往通过抽象与暗示来获得新颖的艺术效果。
（２）建筑
建筑是一种具有象征性的视觉艺术，它“一般只能用外在环境中的东西去暗示移植到它里面去的意义”，“创造出一种外在形状只能以象征方式去暗示意义的作品”。 建筑充分体现了功用和审美、技术与艺术的有机结合。尽管各种建筑的形式、用途各不相同，但它们总体上都体现了古罗马建筑学家维特鲁威（Ｖｉｔｒｕｖｉｕｓ）所强调的“实用、坚固、美观”的原则，总是力图展现各种基本自然力的形式、人类的精神与智慧。也就是说，建筑在具备实用功能（可以供人居住等）的同时，有其一定的审美功能特性。它通过形体结构、空间组合、装饰手法等，形成有节奏的抽象形式美来激发人在观照过程中的审美联想，从而造成种种特定的审美体验。如中国古代宫殿的方正严谨、中轴对称，使人感觉整齐肃穆；哥特式教堂一层高似一层的尖顶、昂然高耸的塔楼，则令人有向上飞腾之感。北京的天坛、埃及的金字塔、法国的巴黎圣母院、澳大利亚的悉尼歌剧院等等，都以风格特异的抽象造型，给人以独特的审美感受和启迪。随
着当代人类对生态环境的自觉意识的日益提高，建筑与环境的和谐也越来越成为人类的迫切需求，蓝天、绿地、水面、林荫使人们对建筑的视觉审美扩展到了一个更大的范围。 建筑也是时代文化精神的一面镜子，犹如用石头写成的历史。雨果在《巴黎圣母院》里谈到大教堂时，就曾经指出：“这是一种时间体系。每一个时间的波浪都增加它的砂层，每一代人都堆积这些沉淀在这个建筑物上”。面对各式各样的建筑，人们不仅能够欣赏它的造型之美，而且可以从中认识和感受历史的风貌、时代的变迁、民族的精神和文化的创造。古希腊建筑的庄严与优美，哥特式建筑的挺拔高耸，洛可可建筑的华丽风格，现代建筑光滑平薄的立面，后现代建筑充满隐喻的变形、分裂、夸张的装饰，都相当准确地反映了各个历史阶段的时代文化精神面貌，反映出不同历史时期人们的审美趣味。
（３）书法
书法作为一门独特的中国艺术，是从实用升华而来的。它利用毛笔和宣纸的特殊性，通过汉字的点画线条，在字体造型的组合运动与人的情感之间建立起一种同构对应的审美关系，使一个个汉字仿佛具有了生命，体现出书法家的精神气质与审美追求。“中国的书法，是节奏化了的自然，表达着深一层的对生命形象的构思，成为反映生命的艺术。”
具体而言，书法的审美特征主要体现在：第一，姿态。草书和行书或轻盈、或敏捷、或矫健，隶书、楷书在安定稳重里透露着飞动流美，篆书分行布白圆润齐整、用笔流畅飞扬，
它们各各具有造型姿态的美。在书法作品中，笔法墨法相兼相润，字型笔画自由多样，线条曲直回环运动，传达出各种姿态和气势，形成了一种变化无穷的艺术效果。而书法家自身人格的蕴藉，更使点画笔墨形成一种用笔之力、运笔之势，反映出生命的运动美。唐代书法家孙过庭曾经惊叹：“观夫悬针垂露之
东晋 王羲之《兰亭序》异，奔雷坠石之奇，鸿飞兽骇之资，鸾舞蛇惊之态，绝岸颓峰之势，临危据槁之形；或重若崩云，或轻如蝉翼；导之则泉注，顿之则山安；纤纤乎似初月之出天崖，落落乎犹众星之列河汉”。王羲之的《兰亭序》，便具有一种浑然天成、洗练含蓄的秀润之美，“字势雄强，如龙跳天门，虎卧凤阁”，达到了姿态美的高峰。
第二，表情。书法是一种心灵的写照。南齐书法家王僧虔认为：“书之妙道，神彩为上”。张怀瓘《书断》也说：“文则数言乃成其意，书则一字已见其心”。书法创造中，线条变化与空间构造表现出某种宽泛的情感境界，自由灵活地将书法家的内在气质和个人生命情调带入笔墨，使之成为一种人格与精神的映照。“喜怒哀乐，各有分数。喜则气和而字舒，怒则气粗而字险，哀则气郁而字敛，乐则气平而字丽。情有轻重，则字之敛舒险丽亦有深浅，变化无穷”。这种情感化的线条笔墨与鉴赏者之间产生情感对应效应，唤起相近的审美体验，使之得到美的陶冶、审美的享受。
第三，意境。意境创构是书法的最高境界。“中国古代的书家要想使‘字’也表现生命，成为反映生命的艺术，就须用他所具有的方法和工具在字里表现出一个生命体的骨、筋、肉、血的感觉来”。在笔画形式中，书法艺术无色而具绘画的灿烂，无声而有音乐的和谐。而意境深远的书法作品，必定体现出书法家特定的审美理想。唐代颜真卿在精神上追求“肃然巍然”的磅礴之境，他的书法端庄宽舒、刚健雄强，令人感觉酣畅淋漓、正气凛然。清人郑板桥天性自然，其“六分半书”也是那样真率与活泼。有形的字迹飞动中创造了一种形而上的神韵，使书法艺术超越有限形质而进入无限境界。“一点一画，意态纵横，偃亚中间，绰有余裕”。这种意境之美，是一切中国书法艺术的总体审美意向，也是书法艺术的灵魂。
３、流派
（１）原始艺术与现代艺术
原始艺术具有生硬性、纯真性、力感性和野性，这既是因为原始价值关系通常是低级、粗浅、简单、直接和本能的，又是因为当时人的认识能力非常有限，只能采用粗浅、简单、直接和机械的艺术形式来反映和描述周围存在的客观事物。
现代艺术具有高级性、细腻性、复杂性和理智性，这既是因为现代的价值关系通常是高级、深刻和复杂的，又是因为人们的认识能力不断提高，可以采用高级、深刻、复杂和辩证的艺术形式来反映和描述周围存在的客观事物。
（２）现实主义与浪漫主义
现实主义就是以事物的存在状态为基本视点，来观察和分析事物的运动与发展变化的规律；浪漫主义就是以事物的联系状态为基本视点，来分析观察和事物的运动与发展变化规律。这两者有着不同的侧重点：前者重视现实状态，后者重视联系状态。
现实主义通常着眼于事物的具体性和特殊性，只能认识具体的、个别的事物，不能认识抽象的、普遍的事物。浪漫主义通常着眼于事物的抽象性和普遍性，并对事物进行抽象和归纳处理，各种浪漫主义艺术形象具有一定程度的自主性和随意性，它撇开现实生活的具体形式、具体内容，而不受具体逻辑条件的约束，把一些粗俗的、低级的东西忽略掉，揭示人类心灵深处最深刻和最富暗示性的东西，使艺术创作变成一种创造性的冒险历程。
在原始社会，人的生存完全依赖于自然环境，人只能被动地适应世界，人的价值关系是简单而稳定的，只需要通过直观感觉就可以反映出来，这时最为有效的艺术方式就是以事物的存在状态为基本视点的现实主义。随着社会生产力的发展，人对于自然环境的直接依赖性逐渐
减弱，人不仅能主动地适应世界，而且能积极地改造世界，人的价值关系发展成为复杂的、多变的价值关系，需要通过逻辑思维才能准确地反映出来，这时最为有效的艺术方式就是以事物的联系状态为基本视点的浪漫主义。
当社会处于快速发展状态时，人的价值关系也处于快速发展之中，这时浪漫艺术较为流行；当社会处于相对稳定状态时，人的价值关系也处于相对稳定之中，这时现实主义艺术较为流行。不过，艺术的发展与它所反映的价值关系的发展往往是不同步的，通常要滞后一段时间，因此艺术的思潮和流派通常要相对滞后于它所反映的价值关系的发展步伐。
（３）样式主义
早期文艺复兴和盛期的艺术家从自然观察和图案科学的仔细研究中发展了他们典型的风格。当样式主义在１５２０年（这年拉斐尔去世）成熟时，所有具象派的问题都已解决。一系列的知识重新被学习。样式主义艺术家将艺术看作是他们的老师而不是自然。一方面，文艺复兴时期的艺术家从自然中寻找自己的风格，另一方面，样式主义者首次寻找一种风格和一种方法。
就样式主义绘画而言，构图可以没有焦点，空间可以是模糊的，人物的特点是具有运动的弯曲和具有扭曲、夸张的扭转，肢体弹性伸长；一只手摆出奇异的姿势，而另一只手摆出优雅的姿势；一贯小而椭圆形的头。这种构成充满了色彩冲突，不像我们在盛期文艺复兴看到的平衡自然和丰富的颜色。样式主义的艺术作品旨在寻求不稳定和骚动，同样也有对包含挑逗意味倾向的寓言的偏好。
二、中国传统艺术
１、定义与简介
中国传统艺术最早起源于新石器时代，主要代表性艺术有书法、音乐、舞蹈和戏曲等。 艺术的定义之一是，通过塑造形象以反映社会生活而比现实更有典型性的一种社会意识形态。而中国的传统艺术则是历代的中国画家，书法家，手工艺者，诗人，建筑师等在中国的历史长河中，通过他们对中国人、社会和环境的理解所呈现给我们的，反映中国社会历史生活的一幅文化长卷。
我国传统艺术的遗产极其丰富并且辉煌。绘画、书法、音乐、舞蹈、戏曲、园林、建筑、雕塑、工艺美术、传统美食、传统服饰等等，都有几千年的积累，都有伟大的创造，都透着五千年文明古国深厚的文化底蕴。这是中华民族的宝贵财富，也是全人类的宝贵财富。中国传统艺术以其浓郁的乡土气息、淳厚的艺术内涵和生动的历史痕迹，越来越受到世界人民的喜爱和欣赏，成为人类共同的文化“大餐”。
２、绘画
（１）历史渊源
中国绘画的历史最早可追溯到原始社会新石器时代的彩陶纹饰和岩画，原始绘画技巧虽幼稚，但已掌握了初步的造型能力，对动物、植物等动静形态亦能抓住主要特征，用以表达先民的信仰、愿望以及对于生活的美化装饰。
（２）先秦历史
先秦绘画己在一些古籍中有了记载，如周代宫、明堂、庙祠中的历史人物、战国漆器、青铜器纹饰，楚国出土帛画等，都己达到较高的水平。
秦汉王朝是中国早期历史建立的中央集权制大国，疆域辽阔，国势强盛，丝绸之路沟通着中外艺术交流，绘画艺术空前发展与繁荣。尤其是汉代盛行厚葬之风，其墓室壁画及画像砖画像石以及随葬帛画，生动塑造了现实、历史、神话人物形象，具有动态性、情节性在反
映现实生活方面取得了重大成就。其画风往往气魄宏大，笔势流动，既有粗犷豪放，又有细密瑰丽，内容丰富博杂，形式多姿多彩。
魏晋南北朝时期战争频仍，民生疾苦，但是绘画仍取得了较大的发展，苦难给佛教提供了传播的土壤，佛教美术勃然兴起。如新疆克孜尔石窟，甘肃麦积山石窟，敦煌莫高窟都保存了大量的该时期壁画，艺术造诣极高。由于上层社会对绘事的爱好和参与，除了工匠，还涌现出一批有文化教养的上流社会知名画家，如顾恺之等。这一时期玄学流行，文人崇尚飘逸通脱，画史画论等著作开始出现，山水画、花鸟画开始萌芽，这个时期的绘画注重精神状态的刻画及气质的表现，以文学为题材的绘画日趋流行。
隋唐时国家统一，社会相对稳定，经济比较繁荣，对外交流活跃，给绘画艺术注入了新的机运，在人物画方面虽然佛教壁画中西域画风仍在流行，但吴道子、周昉等人具有鲜明中原画风的作品占了绝对优势，民族风格日益成熟，展子虔、李思训、王维、张缲等人的山水画、花鸟画己工整富丽，取得了较高的成就。
在中国，绘画的真实性在１２世纪宋朝时已发展到高峰，尤以郭熙的《早春图》为写实主义的巅峰，以后就开始转向主观情趣的抒发，自王维被盛赞诗中有画，画中有诗後，文人画悠久的传统便延续至今。又自北宋後，中国绘画渐趋注重笔墨情趣的形式主义，举例而言文徵明的画即意不在山水的描绘而是藉由山水来堆砌各种运笔的手法。到１５世纪的明朝末年，清朝初期时，画家已经开始向表现自我方向转化，不注重客观世界的描绘，而是，八大山人、扬州八怪、任伯年、吴昌硕等都有很强的自我风格，而不再计较再现自然的真实性。 现代画家如齐白石、张大千等更体现出大家风范，他们画的不一定真实，但任何人也模仿不出他们画的精髓！
（３）五代历史
五代两宋之后，中国绘画艺术进一步成熟完备一，出现了一个鼎盛时期，朝廷设置画院，扩充机构编制，延揽人才，并授以职衔，宫廷绘画盛极一时，文人学士亦把绘画视作雅事并提出了鲜明的审美标准，故画家辈出，佳作纷呈，而且在理论上和创作上亦形成了一套独的体系，其内容、形式、技法都出现了丰富精采、多头发展的繁荣局面。 绘画发展至元、明、清，文人画获得了突出的发展。在题材上，山水画、花鸟画占据了绝对的地位。文人画强调抒发主观情绪，“不求形似”、“无求于世”，不趋附大众审美要求，借绘画以示高雅，表现闲情逸趣，倡导“师造化”、“法心源”，强调人品画品的统一，并且注重将笔墨情趣与诗、书、印有机融为一体，形成了独特的绘画样式，涌现了众多的杰出画家、画派，以及难以数计的优秀作品。
中国绘画是中国文化的重要组成部分，根植于民族文化土壤之中。它不单纯拘泥于外表形似，更强调神似。它以毛笔、水墨、宣纸为特殊材料，建构了独特的透视理论，大胆而自由地打破时空限制，具有高度的概括力与想象力，这种出色的技巧与手段，不仅使中国传统绘画独具艺术魄力，而且日益为世界现代艺术所借鉴吸收。
３、书法
中国的书法是一种独具特色的艺术门类，它不仅是表达观念的符号，更是表情达意的形态。
中国书法以毛笔、宣纸、墨和石砚为工具。书写者使用毛笔，蘸取在砚台中磨研适度的墨汁，在宣纸上书写。
中国书法起源于汉字，而象形则是汉字最基本、最重要的特征，它与绘画一样是以客观物象为依据生发出来的，因而中国书法与中国传统绘画有着一种血脉相通的联系。
书法不仅统领中国绘画，使之在世界上具有悠久历史和广泛传播；同时，书法还与文学诗歌、与篆刻造型、与音乐舞蹈等中华民族姊妹文化有着无法斩断的亲密关系。
书法不仅是一种表现性艺术，通过作品将书法家个人的生活感受、学识、修养、个性及情趣爱好等折射出来，即“字如其人”或“书为心画”；同时，书法还是一种实用性艺术，常被用于题辞、牌匾。
由此可见，书法实际上是一种综合性艺术，是更倾向于表现主观精神的艺术。数千年的悠久历史，使中国书法自甲骨文与金文开始，经过一系列演变，形成篆书、隶书、行书、楷书、草书等不同体式；出现了王羲之、王献之、欧阳询、颜真卿、柳公权、怀素、黄庭坚等众多杰出的书法家，形成不同流派，并在不同朝代各领风骚，将中国书法艺术发展至炉火纯青的艺术高度。
４、瓷器
中国真正的瓷器出现是在东汉时期（公元２３－２２０年）。首先是在南方地区的浙江省开始出现的。浙江绍兴上虞县上浦小仙坛发现东汉晚期瓷窑址和青瓷等。瓷片质地细腻，釉面有光泽，胎釉结合紧密牢固。从显微照相可见，青瓷残片釉下已无残留石英。这种釉无论在外貌上，或是显微结构上，都已摆脱了原始青瓷的原始性。已符合真正的瓷器标准了。 东汉之后的三国两晋南北朝时期（公元２２０－５８１年） 南方青瓷的生产，如浙江越窑等一直处于领先地位。在绍兴、余杭、吴兴等地也都设有窑场，形成独自的窑系。所谓窑系，是指某一著名窑场与附近或外省的一些窑场均生产某一种或几种相同类型的产品，这些窑场就构成一个窑系，以主要和最有影响的窑场命名。浙江是中国最早形成窑系的地区，其原因可能与这里是中国瓷器的发源地、制瓷业特别发达有关。
越窑生产青瓷与黑瓷，到西晋晚期也生产青釉褐斑瓷，即在器物的主要部位加上褐色点彩，以打破青瓷的单色格调。
三国时越窑的产品胎质坚硬细腻，呈浅灰色；釉汁纯净，以淡青色为主，黄或青黄色少见；器型有碗、碟、罐、壶、洗、盆、钵、盒、盘、耳杯、香炉唾壶、虎子、水盂、泡菜坛等日用瓷。西晋时又出现了了扁壶、鸡壶、烛台和辟邪等新产品。南朝时佛教盛行，瓷器上多以莲瓣或莲花作为装饰。从三国到隋统一前的数百年中，以越窑为代表的瓷器生产有了长足的发展。它的品种繁多，式样新颖，已深入到生活的各个领域。成为人们不可须臾离开的用具。
此外，在南方当时还有婺州窑、湘阴窑和丰城窑等著名窑址。
北方瓷器的出现要晚于南方，大致是从北魏晚期到隋（公元５８１－６１８年）统一前的近百年中发展起来的。北朝青瓷的器型有碗、盘、杯、罐、壶、瓶、盒等，多为日常用品，陈设品较少。莲瓣罐是北朝典型产品。它有三系、四系、六系和方系、圆系、条系的区别，均从肩至腹堆塑成肥硕的莲瓣，有六瓣或八瓣不等，底有圈足。最能代表北方青瓷生产水平的器物，是河北景县封氏墓出土的４件莲花尊。其体积最大的一件高约７０厘米，口至肩部有三周贴花，饰飞天纹、宝相花纹、兽面纹和蟠龙纹。肩有六系，其下有六层堆塑上覆下仰莲瓣纹。
北方瓷器生产虽晚于南方数百年，但它一旦掌握了青瓷生产之后，便迅速改进生产技术，提高工艺水平，并结合北方的人文特点，导致了白瓷的出现。白瓷是由青瓷发展而来的，两者的区别仅在于胎、釉中含铁量的不同。瓷土含铁量少则胎呈白色，含铁量多则胎色较暗，呈灰、浅灰或深灰色。就瓷器本身的发展而言，是从单釉瓷向彩瓷发展的，无论是褐绿彩、白地黑花、青花、釉里红，还是斗彩、五彩、粉彩或珐琅彩，都是以白色为衬托，来展现各种色彩的艳丽与美妙的。所以，白瓷的产生，对瓷器的发展有及深远的影响，至唐代已形成“南青北白”的格局。
北齐武平六年（公元５７５年）范粹墓出土的１０件白瓷器，是目前已知时代最早的白瓷器，有碗、杯、三系罐、四系罐、长颈瓶等。
唐代（公元６１８－９１７年）南方的青瓷、北方的白瓷 、三彩瓷；以及湖南长沙窑的复彩瓷均有较大的发展。
其中，长沙窑的瓷器在亚非１３个国家、７３个地点都有出土，说明它的影响遍及国内外。从其产品中的胡人雕塑、椰枣、棕榈纹样及书写阿拉伯文等方面来看，可能出现了专门为外销而生产的瓷器。
宋代（公元９６０－１２７９年）在唐代的基础之上，出现了“定、汝、官、哥、均”五大名窑并称于世的现象。
元代（公元１２７９－１３６８年）是中国瓷器生产承前启后的转折时期，在很多方面都有创新和发展。元世祖忽必烈至元十五年（公元１２７８年），元帝国在江西景德镇设立了“浮梁瓷局“，为景德镇瓷业生产的发展创造了有利条件，并为其在明清两代成为全国制瓷业中心和饮誉世界的“瓷都”打下了坚实的基础。元代景德镇在制瓷工艺上有了新的突破，最为突出的则是青花和釉里红的烧制。
青花瓷一般指的是由钴料作为呈色剂在胎上作画，然后罩以透明釉、经高温一次烧成，呈白地蓝花的釉下彩瓷。青花瓷充分体现了中国的民族特色，它一经在景德镇出现，就以极旺盛的生命力而迅速发展，成为生产的主流达数百年之久，并远销国内各地及亚、非诸国；釉里红是用铜红料作为呈色剂，在胎上绘以纹饰，在罩以透明釉，在高温还原气氛中烧成的呈釉下红彩的瓷器。釉里红的烧成难度大，成品率底，尤其是色纯正者少。釉里红呈色鲜艳，白地红花引人瞩目，极受人们的欢迎。
明（公元１３６８－１６４４年）清（公元１６４４－１９１１年）两代是中国瓷器生产最鼎盛时期，瓷器生产的数量和质量都达到了高峰。景德镇作为“瓷都”的确立，使景德镇窑统治明清两代瓷坛长达数百年，直至今日。当时，各种颜色釉瓷和彩绘瓷是景德镇制瓷水平的突出代表。
５、陶器
中国最早的陶器出现于新石器时代早期。大约在距今１５０００年左右，首先在中国南方可能已经开始制陶的试验，到距今９０００年左右大致完成了陶器的发明和探索。１９６２年于江西万年县仙人洞遗址发现的圆底罐，其年代据放射性碳素测试为公元前６８７５±２４０年，为夹砂红陶，外表有绳纹。裴李岗文化（公元前５５００～前４９００年）中的陶器则多为泥质或夹砂红陶，亦有少量灰陶。在接下来的磁山文化（公元前５４００年～前５１００年）、大地湾文化（公元前５２００年～前４８００年）、仰韶文化、马家窑文化、大汶口文化、龙山文化可以看出古代中国人的制陶工艺不断发展，品质提高，种类增多。 在中国，彩陶出现在公元前４０００年左右。
唐三彩特点
（１）造型
唐三彩的特点可以归纳为三个方面，首先是造型。从造型方面来讲，它的造型与一般的工艺品的造型不同，与其他时代出土的马也不同。
唐三彩的造型丰富多彩，一般可以分为动物、生活用具和人物三大类，而其中尤以动物居多。出土的唐三彩女立俑（现藏故宫博物院）三彩女立俑（现藏故宫博物院）三彩，从分类来看主要也是分为动物、器皿和人物三类，尤其以动物居多，这个可能和当时的时代背景有关，在我国古代马是人们重要的交通工具之一，战场上需要马，农民耕田需要马，交通运输也需要马，所以唐三彩出土的马比较多。其次就是骆驼也比较多，这可能和当时中外贸易有关，骆驼是长途跋涉的交通工具之一，且丝绸之路沿途需要骆驼作为交通工具。所以说，匠人们把它反映在工艺品上。而人物一般以宫廷侍女比较多，这个反映的就是当时的宫廷生活了。 马的造型比较肥硕，这个马的品种，据说是从当时西域那边进贡过来的，所以和我们看到的马的形状有点不大相同，马的臀部比较肥，颈部比较宽。唐马的造型特点，它是以静为主，但是静中带动，你们看到这是一匹静立的马。但是通过马的眼部的刻画，马的眼部是刻成三角形的，眼睛是圆睁的，然后马的耳朵是贴着的，它好像在静听或者听到有什么动静一样，通过这样的细部刻画来显示出来唐马的内在精神和内在的韵律，也可见匠人们高超的制作工艺了。
（２）釉色
唐三彩的另外一个特点就是釉色。作为一件器物上同时使用红绿白三种釉色，这在唐代本来就是首创，但是匠人们又巧妙地运用施釉的方法，红、绿、白三色，让它交错、间错地使用，然后在高温下经过高温烧制以后，釉色又浇融流溜形成独特的流窜工艺，出窑以后，三彩就变成了很多的色彩，它有原色、有复色、有兼色，人们能够看到的就是斑驳淋漓的多种彩色，这是唐三彩釉色的特点。
唐三彩器物形体圆润、饱满，与唐代艺术的丰满、健美、阔硕的特征是一致的。三彩人物和动物的比例适度，形态自然，线条流畅，生动活泼。在人物俑中，武士肌肉发达，怒目圆睁，剑拔弩张；女俑则高髻广袖，亭亭立玉，悠然娴雅，十分丰满。动物以马和骆驼为多。
（３）胎质
唐三彩胎质白中泛浅红、浅黄色。胎土细、实，含有矿物杂质。由于大多从墓中出土，历经千年时间，器物露胎处有风化现象；仿品多为瓷胎或以石膏为胎，胎质洁白、细腻，无风化现象。杂质少，叩之声音响亮，上手手感较重。
（４）产地
唐三彩的产地西安、洛阳、扬州是陆上和海上丝绸古道的联接点。在古丝绸之路上，唐代的交通工具唐三彩驼和外域商贩唐三彩驼和外域商贩主要是骆驼。可以想见，在沙漠中，人和骆驼艰难跋涉，相依为命，所以人和骆驼有一种亲密感。它那高大的形态和坚毅负重的神情，似乎还带着丝绸古道的万里风尘。
河南巩县三彩窑位于该县的大、小黄冶村，其距县城东约１０公里，位于站街乡西南２．５公里的黄冶河两岸的台地上。它们前临一条长约１１公里的河流，此河在当地分段命名，从发源地青龙山峡谷至水底河村的这一段叫寺河（因有唐代慈云寺遗址），上游从水底河村至白河村这一段叫白冶河（因唐代在此烧制白瓷），中游从白冶河村至大、黄冶村的这一段叫黄冶河（唐代烧三彩器以黄为主色），下游叫西洒河。
由于巩县南依青山支脉青龙山，北临滔滔不息的黄河，伊、洛两河东西贯穿县境，所以水陆交通非常方便，再加上黄冶河一带蕴藏着丰富的白色高岭土和大量的煤炭资源，这就为三彩器的烧制提供了物质基础，古人因地制宜，物尽其用，选择这一地点建立生产唐三彩的作坊、窑炉是很自然的，因而这一带也就成为唐代生产唐三彩的发源地，而且还是所发现的三彩产地中专门烧制三彩器的窑地。
（５）历史意义
唐三彩这一种工艺品的特点，它有中西文化的交流特点在里面，这个造型是鸡头器皿，从考证它当时是西域国家甚至中东国家的一种盛酒用的器皿，但在中原地区把它作为一种工艺品来制作，并且从人们的使用中可以看到当时中西文化的交流。
唐三彩是唐代陶器中的精华，在初唐、盛唐时达到高峰。安史之乱以后，随着唐王朝的逐步衰弱，由于瓷器的迅速发展，三彩器制作逐步衰退。后来又产生了“辽三彩”、“金三彩”、但在数量、质量以及艺术性方面，都远不及唐三彩。
三、 西方艺术
１、历史
（１）史前
西方人最早的美术作品产生于旧石器时代晚期，即距今３万到１万多年之间。最杰出的原始绘画作品，发现于法国南部和西班牙北部地区的几十处洞窟中，其中最著名的是法国的拉斯科洞窟壁画和西班牙的阿尔塔米拉洞窟壁画。所绘形象皆为动物，手法写实，形象生动。迄今为止发现的原始雕刻大多为小型动物雕刻，少数人像雕刻中，裸体女性雕像占主要地位，这些女性雕像夸张女性的生理特点，突出表现女性的乳房、臀部、腹部、大腿等，体现出原始人对于母性和生殖的崇拜意识。在奥地利维也纳附近的维伦多夫出土的女性雕像被称为“维伦多夫的维纳斯”，是其中最著名的代表作。
（２）古代
西方习惯把新石器末期到中世纪称为古代，具体来说就是指公元前４０００年（文字的出现）到公元４７６年（西罗马帝国灭亡）。 主要包括美索不达米亚、埃及、希腊和罗马时期的美术。
美索不达米亚（即幼发拉底河和底格里斯河之间的地区，又称两河流域）的雕塑，如巴比伦王国的“汉漠拉比法典”浮雕，亚述王国那些表现战争和狩猎的紧张场面、手法极为写实、充满激烈动势的浮雕。
古埃及的庞大金字塔建筑，按照正面律程式雕刻的人像雕刻和神秘威严的狮身人面像。 古希腊的自由民主创造了具有民主思想的建筑、雕刻和绘画作品，其中留存于世的不少健美而优雅的雕刻形象，如《掷铁饼者》、《米洛斯的维纳斯》等，尤其具有无穷的魅力。 古罗马美术承继着古希腊的传统，但罗马人的美术更倾向于实用主义。规模巨大的科洛西姆竞技场和万神庙是古罗马建筑的杰出代表。而曾被维苏威火山灰掩埋达１７００多年的庞贝壁画，则给我们展示了古罗马绘画的独特面貌。
（３）中世纪
中世纪是指公元５世纪（以公元４７６西罗马帝国崩溃作为标志）到１５世纪（意大利文艺复兴的黎明），它标志着西方进入了基督教时代。受基督教制约，中世纪美术不注重客观世界的真实描写，而强调所谓精神世界的表现。建筑的高度发展是中世纪美术最伟大的成就。拜占廷教堂、罗马式教堂和哥特式教堂，各具艺术上的创造性。与宗教建筑相结合，雕刻、镶嵌画和壁画也取得了一定成就。
（４）１４－１８世纪
国际哥德风格（Ｉｎｔｅｒｎａｔｉｏｎａｌ Ｇｏｔｈｉｃ） － 文艺复兴（Ｅａｒｌｙ，１４世纪）·风格主义（１６世纪）·巴洛克艺术（１７世纪）·洛可可 － 新古典主义 － 浪漫主义（１８世纪）
（５）１９世纪
现实主义·巴比松派·前拉斐尔派·学院艺术·印象派·后印象派·新印象派·Ｃｈｒｏｍｏｌｕｍｉｎａｒｉｓｍ · 点描派风格（Ｐｏｉｎｔｉｌｌｉｓｍ）·Ｃｌｏｉｓｏｎｎｉｓｍ·那比派风格（Ｌｅｓ Ｎａｂｉｓ）·综合主义（Ｓｙｎｔｈｅｔｉｓｍ）· 象征主义·哈德逊河派（Ｈｕｄｓｏｎ Ｒｉｖｅｒ Ｓｃｈｏｏｌ）
（６）２０世纪
现写实主义写实主义代艺术·立体主义·表现主义·抽象表现派·抽象艺术·Ｎｅｕｅ Ｋüｎｓｔｌｅｒｖｅｒｅｉｎｉｇｕｎｇ Ｍüｎｃｈｅｎ·蓝骑士（Ｄｅｒ Ｂｌａｕｅ Ｒｅｉｔｅｒ）·Ｄｉｅ Ｂｒüｃｋｅ·达达主义·野兽派·新野兽派·新艺术运动·包豪斯·荷兰风格派运动·装饰艺术运动·普普艺术·未来主义·至上主义·超现实主义·色面派（Ｃｏｌｏｒ Ｆｉｅｌｄ）·极简主义·装置艺术·Ｌｙｒｉｃａｌ Ａｂｓｔｒａｃｔｉｏｎ·后现代主义·概念艺术·地景艺术（Ｌａｎｄ ａｒｔ）·行为艺术·录影艺术（Ｖｉｄｅｏ ａｒｔ）·新表现主义（Ｎｅｏ－ｅｘｐｒｅｓｓｉｏｎｉｓｍ）·Ｏｕｔｓｉｄｅｒ Ａｒｔ·低眉艺术（Ｌｏｗｂｒｏｗ）·Ｎｅｗ ｍｅｄｉａ ａｒｔ·年轻英国艺术家派（Ｙｏｕｎｇ Ｂｒｉｔｉｓｈ Ａｒｔｉｓｔｓ）·反概念主义·Ｓｙｓｔｅｍｓ ａｒｔ
（７）２１世纪
Ｒｅｌａｔｉｏｎａｌ ａｒｔ·Ｖｉｄｅｏｇａｍｅ ａｒｔ·哲学星座原型批判美学
２、影响
纵观２０世纪的中国美术发展史，就是一部批判、继承本民族的传统艺术文化和吸收、借鉴现代西方艺术思潮的历史。在１００多年的发展、变革中，中国的一些美术家在自身的美术创作活动中自觉不自觉地将西方美术作为自己艺术创造的一种对比和参照对象。尤其对一些坚持从传统艺术本身来求新、求变的中国画家，在保留中国画独特个性的同时，也自觉不自觉地采纳、吸收和鉴赏现代西方艺术的有益成分，来丰富自己的艺术语言，具体地讲，大致有三方面的内容。其一，在现代西方的非理性主义哲学影响下，彻底抛弃了古典艺术的理想主义色彩，从而转向对人类内心世界的表现。其实质就是，彻底否定古典主义，运用古拙、深沉的表现技巧来表现庄严神圣的宗教理念，从现实生活出发，从不同的方面，以新的视角，真实科学地描绘客观世界和艺术家身边的现实生活，以及表达自己的感性认识和理性认识。其二，注重形式，把“形式提高到独立地位”，作为艺术创作的基本语言。用新的技巧和形式展示了客观世界和人们的主观精神世界的丰富性，拓展了人们的审美领域。其三，积极吸收科学技术进步的优秀成果，大量吸收、运用人体解剖学、现代光学、化学、色彩学、构图学、透视学以及社会学、心理学等知识，创造了既有独特的艺术个性，又带有时代精神风貌的艺术作品。上述三个方面不仅对西方现代艺术的发展起到了积极的促进作用，而且对近、现代中国画的发展也产生了非常深远的影响，使中国画实现了从传统形态向现代形态的转变。
现代西方艺术思潮作为现代资本主义社会的一种文化现象，对当代中国美术产生的影响，一方面是西洋诸多画种的引进，丰富了我国美术创作的载体。另一方面，西洋画的引进也打破了中国画长期以来的封闭、静止、缓慢变化的格局。中国画源远流长，是中华民族悠久历史文化积淀的一种传统绘画形式，体现着中华民族的审美要求，深受广大人民的喜爱。但是，中国画发展自清代中叶以后，确实暴露出了许多弊端。一是脱离生活，“标榜门户、陈陈相因、固步自封”“近亲繁殖”。①二是排斥科学，不重视发展。虽然在明代宫中供奉西洋传教士画家的风习一直沿袭到清朝，但它并没有对传统中国画家产生根本性影响，传统中国画仍然沿袭、继承古人“随类赋彩”“墨分五色”，注重强调“物体的固有色”而发展着，直到今天，我们仍然没有系统的中国画色彩理论体系。三是形式的“程式化”，标志着中国画的成熟，同时它也是后人无法跨跃的障碍。正是在这种情况下，西方现代艺术注重科学、注重生活、注重形式多样化的创作思潮像一中国美术中国美术股清新的风吹过中国画坛，使中国画在观念上、表现技法上发生了根本性的变化。纵观１００多年的历史，中国画吸收现代西方艺术的有益成分实现自身的转变，大致经历了三个阶段。
第一阶段，１９世纪末至２０世纪５０年代（学习、普及西方绘画知识的时期）。虽然早在明朝时期，欧洲商人与传教士来华，在传播天主教和科学技术的同时，也带来了西方古典美术，打开了中国人的眼界，促进了中西美术的交流。但并未引起中国画家对这种“舶来品”
的广泛注意。直到近代，许多有志之士，采取主动、积极的态度学习西方现代艺术。李叔同、高剑文、陈师曾、徐悲鸿等进步人士先后出国学习绘画。回国后，他们一方面兴办教育，普及西方现代艺术，另一方面积极主张“折中东西方”对传统绘画进行改造、创新。高剑文主张“在传统绘画的基础上吸收西洋绘画技法，效法日本画所走过的艺术道路，改革中国画”。以徐悲鸿、蒋兆和等一代宗师为代表，首先扛起现实主义旗帜，积极吸收西方绘画的素描、色彩知识以及人体结构知识，采用传统的笔墨，探索西洋画的塑型观念与中国画的笔墨语言相融合的方法，实现了贴近现实生活和面向人民大众的观念变化。山水画家黄宾虹大师在继承传统技法的基础上，吸收西方绘画知识，实现了由古代文人画的符号化、抽象化的高逸境界向大自然和人生回归的历史转变。花鸟画家潘天寿先生也认为：“对西洋画，搞中国画的不仅要精通本专业，还要学习外来的东西，这才是中国画家的态度。”因此，在他的画中仍然能感受到西画的影响。
第二阶段，中华人民共和国成立到１９７８年（巩固、改造阶段）。新中国的建立，使无数中华儿女壮志满怀，怀着极大的热情投身社会主义建设，艺术家们亦满怀豪情，积极地用自己手中的笔描绘着一切。但随着社会主义改造的基本完成，接下来的就是一个又一个的阶级斗争运动和史无前例的“文化大革命”。在这种特殊的文化背景下，中国画仍以自己特有的方式继续深化着对西方绘画的吸收、借鉴。具体表现在：一、当时美术界在“二为”方针指引下，鲜明地举起了社会主义的现实主义旗帜，大批画家走向基层、走向农村、走向工厂，创作更加贴近生活，贴近人民大众的美术作品。二、当时虽然彻底抵制着西方社会的腐蚀文化思想，但又由于前苏联的美术与西方绘画在表现材料、手法上属于同一个体系。所以，西方绘画的素描学、色彩学、透视学等科学知识在我国仍得到了强化、巩固。三、彻底“与传统决裂”，要求中国画家，面对现代人的精神面貌和服饰（即短衣、短衫）特点，对传统“以线造型”进行改造，来表现、反映劳动人民的现实生活。创造出了一种“半工半简”的语体形态。人物画家叶浅予、黄胄、刘文西等一大批画家，仍然在探索中西结合，弱化了传统线条的独立性。山水画家李可染、傅抱石、白雪石等人的写生山水，大量吸收西洋画的写实造型并且充分发挥水墨的特性，创造出了当代山水画的主流。花鸟画方面，由于受政治的约束和花鸟画的自身限制，基本上没有明显的发展，像王雪涛、郭味蕖的“半工半简样式”与当时人物画的表现手法是相一致的。
第三阶段，１９７８年以来至今（变革、创新阶段）。党的十一届三中全会以来，我国实行改革开放的政策，建立社会主义市场经济体制，给整个社会带来了根本性的变化。尤其是文化的裂变，使得审美文化从其泛政治化倾向中摆脱出来，出现了多元的发展势头。作为优秀传统文化的中国画，则在这场裂变中，再一次陷入选择发展道路的困境之中：一方面它无法抵抗西方现代主义思潮的冲击；另一方面又不能从传统的精神中发展出新生命，因而在西潮与传统之间徘徊瞻顾、痛苦万分。一些青年画家喊出了“中国画穷途末路”的呼救声。②这呼声最终导致了一场前所未有的大争论。即“中国画走向何方？”在这场争论中，有的主张坚持现实主义，注重写实、塑造典型；有的主张绘画不要与政治沾边；有的主张打破所有旧模式，寻求无法之法；有的却主张“返祖”，召唤原始艺术；有的主张“纯绘画性”，形式大于一切；有的主张直觉、感知，排斥理性，如此等等。③这种思潮和现象，真可谓“仁者见仁、智者见智”，但笔者认为这场争论的根本原因是人们已经看到了现代西方艺术思潮的确有其先进的一面，却苦于吸收、借鉴之观念、意识模糊，而导致对中国画的反思。随着社会不断发展和中国画家们的不断努力，一些国画家们对西方艺术的吸收、借鉴意识逐渐清晰，行动更加坚定，加大了中国画与西方艺术融合的力度和速度。同时提倡传统与吸收西方绘画的斗争更为激烈，而且随着社会的发展，将继续斗争、融合下去。中国画正是在这种矛盾和斗争中，不断变革创新，不断完善发展，愈加焕发出它特有的魅力。
２１世纪的中国画将如何发展，这是摆在我们面前必须思考的问题。对此，我们要用科
学的态度和辩证思维的方法分析问题。马克思主义认为，经济基础决定上层建筑，上层建筑要与经济基础相适应。为此，我们应清醒地认识到建立社会主义市场经济新体制，就是以公有制为主，其他所有制形式为辅的体制，与此相适应的上层建筑（指绘画艺术领域）也将呈现出一主多辅的多样化趋势。所谓一主就是在内容方面强调时代精神和精神文明建设，在形式上提倡现实主义手法。所谓多辅指中国画家们在继承传统艺术有益成分的基础上，广泛吸收现代西方绘画的诸多流派的各种形式特点、表现手法来丰富自己的绘画语言，更好地反映社会各个阶层的审美要求。这“一主多辅”的格局也必将促使中国美术界在对待西方艺术的问题上，会有意无意进行吸收借鉴，从而实现中国画从传统形态向现代形态的彻底转变。
四、中西艺术的差异
１、中国传统艺术与西方古典艺术的差异及根源
总体来说，中国传统艺术是写意的－－注重的是人与自然的关系，反映的大多是自然在人心里的感受。绘画多写意，音乐重感受，书法写胸臆，舞蹈讲合一；西方古典艺术是写实的－－注重的是对自然的重现，反映的大多是自然的真实情况或运行理论。绘画多写实，音乐重和鸣，舞蹈表情绪。而这种区别与中西哲学的差异有关。中国的哲学思想是以中庸谦和为主，把天人合一，物我两忘推向极致；西方哲学主要是来源于希腊的数学和几何的逻辑思维，重视对事物的客观认识，概念化推理演绎剖析事物，推崇物我对立。所以，中国艺术以含蓄的手法来表现自己，西方艺术多以夸张的手法来表现自己。
中西方绘画之差异分析。东西方巨大的文化差异导致了以油画为代表的西方绘画和以水墨画为代表的中国绘画除在材料及工具的使用上的差异外，在创作方法和审美观念上也存在根本性的不同。西方绘画由于受到古希腊亚里士多德“摹仿说”的理论影响，故西方绘画一般重形似、重再现、重理性；而整中国画注重的是情感表现，注重“以形写神”，“气韵生动”。创作方法上西方绘画重写实、以块面塑造形体、强调焦点透视；中国绘画重写意、以线造型、追求打破时空界限的散点透视。此外，中国画讲究将诗、书、画、印有机地组合在一个画面上，从而形成中国画独特的内容美和形式美。
中国传统建筑与西方古典建筑之差异分析。中西建筑文化的不同，从根本上应理解为中西文化传统的不同。一般认为：中国文化重人，西方文化重物；中国文化重道德和艺术，西方文化重科学与宗教；中国文化重融合、统摄，讲究并存与一体性，西方文化重不同时代的独特精神，凸显各种流派的个性特质等等。中西丰富多彩的建筑文化所蕴涵的建筑特色、艺术形式、发展源流以及人文理念等差异或不同，都能从历代建筑物以及流传下来的建筑学著作中得到印证和反映。中国传统建筑的特色集中体现了人与自然和谐相处的“天人合一”的哲学思想。而西方古典建筑的特色则体现了人与自然对立的“人神合一”的宗教观念。这两种观念体现了各民族文化内涵和民族审美价值的差异，衍生出迥异的审美风格。西方从古希腊神庙建筑到古罗马拜占庭建筑、中世纪哥特式建筑再到文艺复兴建筑、巴洛克建筑、罗可可建筑、新古典主义建筑，进而到包豪斯开创的现代建筑以及目前正方兴未艾的后现代建筑无一不具有鲜明的时代性。通过对比，则显现出强烈的民族性。总的来说，中国传统建筑多以土木结构为主，侧重于空间的群体组合和序列转换，注重环境气氛的营造意境含，追求和谐统一，柔中带刚，表现出强烈的是世俗理性精神和政治伦理观念；西方建筑多采用石质材料，气势恢宏，注重造型和空间的变化对比，刚中带柔，带有浓郁、神秘的宗教气息。
中国传统音乐与西方古典音乐的宿命。音乐精神决定了音乐发展的方向。中国传统音乐精神的核心是“同天地之和”，贵意不贵曲，重神不重技；操演中，重心神会意，不以曲谱为意。中国音乐精神一天地境界为哲学背景，背景规定了它由先秦的乐教意识转向魏晋以来的非乐的音乐意识，从而导致了中国音乐自魏晋开始的式微；西方音乐精神以宇宙精神为哲
学背景，这一背景暗示了它的近代主体性转向，从而激发了近代西方音乐以交响乐为主导的辉煌发展。两种音乐精神都以自己的哲学背景为归宿。通过音乐来表达自己的理想世界，是两种音乐共同的音乐动机。为了实现这一动机，两种音乐都经过了由表现情感到超越情感的转化。中国传统音乐的美学特征和内涵：１、以意为重，乐不在管弦的音声；２、意在弦外，得意在于与弦外天地相合；３、至乐无乐，为乐之功当归于自我与天地生命的神奇化合。结果，中国传统音乐走向天地而式微，而几与沉没；西方音乐有客观宇宙转向主观宇宙，在交响乐的辉煌建筑中解体。音乐的道路竟只有这两条？未来音乐的形式有何在？这是中西艺术哲学共同的话题。
中西方雕塑、园林艺术的特点。西方雕塑的出现首先也是作为建筑艺术的装饰而出现的。中国古代陵墓雕塑是为死人服务的艺术，而西方大多的人像雕塑是为活人欣赏的艺术，显示了 二者在目的和功能上的不同。中国西汉霍去病墓前的大型石刻组雕以高度概括、凝练和典型化的艺术形象显示出精神饱满、气势磅礴的特点。这种偏于象征、表现、、写意、追求美和善统一的思维模式与西方注重再现、模仿、写实、追求美和真统一的思维模式也造成了中西传统雕塑中最大的差异。中国古代雕塑注重表现对象内在气质的特征，而西方传统雕塑注重对外在形体的精细研究，形成了中西雕塑意向造型与模拟造型两种不同的方式。比如说，具有鲜明民族性的中国风景式园林与西方规划式园林及阿拉伯园林林。中国园林强调曲径通幽、含蓄曲折、虚实相生、天人合一。西方园林则已几何规划园林，讲究开阔、宽敞、通透。这与西方重理性思考，重数理几何的科学性等文化情结有关，而阿拉伯的伊斯兰园林则完全以《古兰经》中四条河流为造园的理念。
２、中西方艺术之共性
首先，中西艺术都重技巧。但西方对技巧的是重视归于完美观念的：一方面竭力设计完美的形式，已达到最高的理想；另一方面采取一种客观科学的立场引入透视法、解剖学进行极尽真实的描绘，以给人最真实的幻象。中国之重技巧，却以主体和天地的生命感通为统帅，如庖丁解牛，“好乎道，近乎技”。西方艺术以技为道，技艺高超，被誉为“天才”；中国艺术以道化技，以技入自然为至上。其次，中西艺术都有“意在笔先”的追求。西方艺术的“意”，是一个形象的完整构思；中国艺术的“意”却是当下心神与天地神会。因此，西方艺术的创作是情景置于眼前，再借幻觉的技术把它描摹出来，创作过程是冷静的、精细审慎的、绵长的；中国艺术的创作是有形合于无形，创作过程是活跃的、大而化之的、即时的。象征性和寓意性是中西方雕塑共同拥有的艺术特色。同时，中西建筑的共同点就是两者都有非常鲜明的时代性和民族性。
３、中西方艺术发展之现状
当代中国艺术发展概况：中国当代艺术按不同时期可划分为三个阶段，即中华人民共和国成立后的１７年（１９４９－１９６６）；文化大革命的十年（１９６６－１９７６）；文革结束后及改革开放以来的新时期（１９７９至今）。“１７”年的艺术主要是表现出朴素的、蓬勃向上的社会主义现实主义精神，并具有革命的现实主义和浪漫主义相结合的特点；文革时期的美术带有狂热的红色政治色彩的伪现实主义和伪浪漫主义；而新时期的艺术展现出了开放型的具有中国特色社会主义美术的多元格局。进入２１世纪后，物质力量的渐渐强大为艺术市场的形成提供了时代背景，艺术家的作品进入市场曾一度引起美术批评界激烈的争论。理论的争吵并没有找到当代艺术的出路，反倒是在逐渐推进的市场化实践中，利益化和非利益化的艺术作品都渐渐找到了适合自己的位置。让两者都健康地生存下来，也许才是中国艺术健康发展的最佳方式。
对于西方而言，即后现代艺术主义，大多说人认为其兴起于２０世纪５０年代。有人认为
后现代主义是现代主义的继续与发展，而更多人认为它是对现代主义的反叛。抛弃审美走向文化观念，常常以锐利的锋芒直接介入各种社会问题的批判。后现代的各种艺术形态都充满了对古典主义艺术与现实主义艺术的颠覆，借艺术的衣钵来反艺术。这就是西方后现代艺术的基本情况。
无论中国还是西方，其建筑艺术发生的变化最为巨大。随着生产力和科学技术的发展，高速发展的社会不断地提供着不同的、先进的材料，这使得建筑鲜明的时代性得以体现。从木质结构到砖石结构，再到钢筋水泥结构，轻型钢板折叠使用，钢架和玻璃结合使用。新型的建筑材料使得当今世界各地各种当代建筑以令人炫目和震惊的姿态呈现在世人面前。重视文化传统，探求民族特色，激活本国特殊的文化价值等，已成为国际性建筑思潮之一，建筑风格进入了“各显神通”的时代，人文追求成为建筑新的价值衡量尺度。
作文五：《艺术史的故事》1000字厦门理工学院
题目：漫谈艺术史中的艺术
姓名：陈金凤
班级：０８建筑学
学号：０８０９０３８１１４
漫谈艺术史中的艺术
其实并不了解什么是艺术，有时会干脆把它理解为人类有意识创造的具有美感的东西。
曾有人说伟大的艺术作品是能够震撼人类心灵，引起人们灵魂共鸣的。在观赏那些艺术作品的图片或聆听艺术作品时，会惊叹。大量观赏后，会觉得它好，但好在哪里，其实并不理解。那只是一种直觉式的感觉。会觉得它里面有某种东西，让人挪不开眼，但那是什么东西，其实也不尽然清楚。不清楚那是不是所谓的震撼心灵，可总觉得“灵魂共鸣”那是什么，并不懂。
有时艺术作品会给人于那么强烈的感受，就像能直接触摸到艺术家的心。也许，那是因为艺术家把他们全部的情感都放进他们的作品里。
杰出的艺术家，都是单纯的人。他们创作，没时间去思考关于他灵魂的问题，就像他爱哪个女人一样，他对他的作品，将投进所有的感情。
看一个艺术家也最好别看他的灵魂，一个杰出的艺术家不一定有一个美好的灵魂。各种艺术，都是人们在物质上和精神上的一种具体需要的表现。
艺术总是处于变动不居的状态，因为艺术是最依赖观念的，它的存在与否完全取决于适应时代的能力；今天称之为艺术的东西，昨天不一定是，今后也许也不会是。
历史与艺术具有某种根本上的一致性：它们同人类一起诞生、存
活、直到某一天消亡。静止而固定的历史观表明，历史本身如黏土一样可塑，它被不同时代、根据需要塑成不同的样子。历史以至艺术史，就像它是过去的真实档案一样，也是现实观念的投射。
在某一段的历史时间内，有它那一段时期的艺术，它那一段时期的文化。人类的思想在颠覆着，从自然到群体，到神，再到个体。分不清哪一个才是真理，每段都有各自絢烂的味道。这世界上是非对错本没有区别，真理也不一定存在。真、善、美到底是什么？
这门课让我收获最多的，就是收获了一堆的问题。
本来就是，越学，就会越发觉自己的无知。
纵观艺术史后来看艺术，艺术从不是单凭直觉的幻想。它是具有艺术感觉和理性思维的。无论是希腊人、埃及人、还是米开朗基罗或布隆代尔。他们都使用控制线来校正作品，以满足艺术感觉和理性思维。
艺术的历史，正像欧文·帕诺夫斯基所论述的那样，总是保持着历史和艺术两者之间的分离状态。一方面，历史由于具强调原因和结果，强调不同种类知识（政治的、社会的以及艺术的）之间的关系，倾向于通过自身外在的现象来解释艺术作品。另一方面，艺术客体，由于艺术受确立其为独特事物和艺术的内在审美标准的制约，倾向与要求从非历史的观点，从关于知识的哲学角度来鉴赏。
每一段艺术史都有每一个时期的人类的深沉羁绊。
作文六：《艺术家的故事》1100字１ 居里夫人的故事
童年的玛丽身体很弱，但记忆力超凡，６岁那年，玛丽就去念书了。学校里，学生只能学俄语，应为要反抗，所以，大家偷偷学波兰语。学校有个俄国的督学，长长监视，学校为了防督学再来，每个教室都设了铃。
一天他又来，班上正学波兰语，听到铃声，大家马上收起书，督学走进来，说：“给我叫个人来，我要考一考。”老师把记忆力最好的玛丽叫了出来，“背祈祷书！”玛丽用一口流利的俄语背了出来，督学又问：“我们神圣的国王是哪几位？“有垲瑟林二世，宝罗一世，亚历山大一世－－－－－－”督学官看玛丽用流利的俄语回答着他提出的问题，有些怀疑地问玛丽：“你是在俄国出生的？”
“不，我是出生在波兰”。
后来，意志坚强的居里夫人研究放射性元素“镭”，完成了镭的单独分离，获得瑞典皇家科学院办法的诺贝尔化学奖。
２海伦·凯勒
海伦·凯勒在两岁时，发了一场高烧，成了一个又瞎、又聋、又哑的人。她终日活在烦躁的心情下，家人对她的臭脾气完全束手无策。直等到她七岁的时候，她的父母为她找到一位老师，名叫莎丽雯（Ｓｕｌｌｉｖａｎ）。莎丽雯小姐第一步先制服海伦·凯勒无法无天的坏脾气，教她听话。接著教她用手心拼字法交谈。莎丽雯独特的教学法将海伦的生命带入了一个全新的领域。若非莎丽雯的谆谆教诲，海伦·凯勒可能永远是一个既看不见，又听不见的可怜人。莎丽雯进入海伦的内心，发掘她的潜力，启发引导，使她看见她肉眼不能见的、听见耳朵听不到的，并且沟通思想超过口所能说的。莎丽雯小姐和海伦达成了完全的“配搭力”，这同心的力量将这位看来毫无指望的女孩的潜力发挥了出来。“莎丽雯队”“恩迪也需要„丽雯小姐‟”我一再地对自己说。我开始天天为他祈求莎丽雯小姐的来临。我不但求一位，而且求许多位。我开始积极地与恩迪的老师们建立起默契，让他们了解我的用心。逐渐地，我们形成了“莎丽雯队”，同心合力、日复一日地为恩迪的进展而努力。后来海伦成了著名的作家和教育家 ３徐文长
自幼以才名著称乡里的徐文长，一向颇有些自负自傲，对功名事业充满了向往，然而在科举道路上却屡遭挫折。二十岁那年，他结结巴巴地考中了个秀才，此后一次又一次参加乡试，直到四十一岁，考了八次，始终也未能中举。其间二十六岁时丧妻，从潘家迁出，以教书糊口；三十七岁时应胡宗宪之邀，入幕府掌文书。徐文长在科举中一再失败，并不是偶然的。他少年时便喜欢博览群书，讨厌八股文字，加之个性显露，情感张扬，恐怕确实写不出合格的、规行矩步而阴沉死板的八股文来。不过徐文长虽然明知八股文毫无用处，对一些从科举出身而绝无才学的官僚一向嗤之以鼻，但这毕竟是旧文人在政治上的唯一出路。屡试不售，前途无望，对徐文长是沉重的打击。他暮年作《自作畸谱》，还特地记下了六岁入学时所读的杜甫《早朝》诗句：“鸡鸣紫陌曙光寒”，流露出无穷的人生感慨。
作文七：《艺术家的故事》1100字１ 居里夫人的故事
童年的玛丽身体很弱，但记忆力超凡，６岁那年，玛丽就去念书了。学校里，学生只能学俄语，应为要反抗，所以，大家偷偷学波兰语。学校有个俄国的督学，长长监视，学校为了防督学再来，每个教室都设了铃。
一天他又来，班上正学波兰语，听到铃声，大家马上收起书，督学走进来，说：“给我叫个人来，我要考一考。”老师把记忆力最好的玛丽叫了出来，“背祈祷书！”玛丽用一口流利的俄语背了出来，督学又问：“我们神圣的国王是哪几位？“有垲瑟林二世，宝罗一世，亚历山大一世－－－－－－”督学官看玛丽用流利的俄语回答着他提出的问题，有些怀疑地问玛丽：“你是在俄国出生的？”
“不，我是出生在波兰”。
后来，意志坚强的居里夫人研究放射性元素“镭”，完成了镭的单独分离，获得瑞典皇家科学院办法的诺贝尔化学奖。
２海伦·凯勒
海伦·凯勒在两岁时，发了一场高烧，成了一个又瞎、又聋、又哑的人。她终日活在烦躁的心情下，家人对她的臭脾气完全束手无策。直等到她七岁的时候，她的父母为她找到一位老师，名叫莎丽雯（Ｓｕｌｌｉｖａｎ）。莎丽雯小姐第一步先制服海伦·凯勒无法无天的坏脾气，教她听话。接著教她用手心拼字法交谈。莎丽雯独特的教学法将海伦的生命带入了一个全新的领域。若非莎丽雯的谆谆教诲，海伦·凯勒可能永远是一个既看不见，又听不见的可怜人。莎丽雯进入海伦的内心，发掘她的潜力，启发引导，使她看见她肉眼不能见的、听见耳朵听不到的，并且沟通思想超过口所能说的。莎丽雯小姐和海伦达成了完全的“配搭力”，这同心的力量将这位看来毫无指望的女孩的潜力发挥了出来。“莎丽雯队”“恩迪也需要„丽雯小姐‟”我一再地对自己说。我开始天天为他祈求莎丽雯小姐的来临。我不但求一位，而且求许多位。我开始积极地与恩迪的老师们建立起默契，让他们了解我的用心。逐渐地，我们形成了“莎丽雯队”，同心合力、日复一日地为恩迪的进展而努力。后来海伦成了著名的作家和教育家 ３徐文长
自幼以才名著称乡里的徐文长，一向颇有些自负自傲，对功名事业充满了向往，然而在科举道路上却屡遭挫折。二十岁那年，他结结巴巴地考中了个秀才，此后一次又一次参加乡试，直到四十一岁，考了八次，始终也未能中举。其间二十六岁时丧妻，从潘家迁出，以教书糊口；三十七岁时应胡宗宪之邀，入幕府掌文书。徐文长在科举中一再失败，并不是偶然的。他少年时便喜欢博览群书，讨厌八股文字，加之个性显露，情感张扬，恐怕确实写不出合格的、规行矩步而阴沉死板的八股文来。不过徐文长虽然明知八股文毫无用处，对一些从科举出身而绝无才学的官僚一向嗤之以鼻，但这毕竟是旧文人在政治上的唯一出路。屡试不售，前途无望，对徐文长是沉重的打击。他暮年作《自作畸谱》，还特地记下了六岁入学时所读的杜甫《早朝》诗句：“鸡鸣紫陌曙光寒”，流露出无穷的人生感慨。
作文八：《讲故事的艺术》5800字追寻讲故事的艺术
李希光
多年来，我们无时无刻、无处不在地遭受着媒体的狂轰滥炸：视觉的、听觉的。媒体的种类也越来越多，报纸、杂志、网络、手机短信、有线电视、卫星电视。２４小时的新闻频道、深更半夜的ＮＢＡ实况转播或奥斯卡颁奖，声流和视流像洪水猛兽，从不停止，也不歇息，正在毫不留情地把我们的注意力淹没。媒体本身正在对人类发动一场无时无刻、无处不在的 超限战。人类生活在这样一个无限制的媒体战时代，正在失去那种恬静、质朴的田园般的生活享受。记者在这样的媒介景观中，失去的是那种慢慢道来的讲述故事的耐性，他们更愿意当那种花哨的一夜风流的媒体人。
宁要没有电视的报纸，不要没有报纸的电视
媒体不仅是信息，也是人类的生存环境：画面、音响、广告像空气一样充斥着每个空间和角落。浅薄的电子媒体正在成为人类文明的中心。
是记者办报，还是媒介经营者办报？是报道人性化的新闻故事，还是传递宣传信息、娱乐财经信息？可能有人会认为，上述这种两分法的争论有一种宗教般的偏执或文化上的狭隘。但是，阅读或观看新闻不仅是获取信息，也是某种人生体验。这里我借用托马斯？杰佛逊的排比句并稍作改动：宁要没有电视的报纸，不要没有报纸的电视。
虽然我每天看电视，但是，新闻写作质量的堕落不能不怪罪电视。电视报道，特别是电视画面，正在严重损害记者编辑的文字水平、写作风格。首先在新闻价值判断、报道视角、报道框架上，本来有头脑和思考能力的编辑记者会随着电视上戏剧性的、夸张的、煽情的画面和视角而变得失去了理性。
电视强调的是戏剧色彩，而报纸强调的是真实的新闻报道。这也正是人们通常把电视归类于娱乐界，而把报纸归类于新闻界的原因。
在过去，一提到名记者，人们马上想到的是新华社某记者、《人民日报》某记者、《中国青年报》某记者，而不是中央电视台某记者。但是在今天，即使是新闻学院的学生恐怕也说不出当今新华社名记者的名字，但是会一口说出一大串电视台记者或主持人的名字。在伊拉克战争中，大多数中国观众想到的第一个新闻记者毫无疑问是水均益。恐怕没有多少人会讲出新华社驻巴格达文字记者的名字。但是，中央电视台通过水均益向中国观众报道的伊拉克新闻占观众整个信息库的百分比究竟有多大？而新华社发自巴格达的报道占观众整个信息库的百分比有多大？
“９。１１”、阿富汗战争、伊拉克战争使人们对新闻的关注达到了冷战后乃至二战后的最高点。但是，媒体对这些战争和对张国荣关怀的同时，却忘记了自己身边可能会发生的其它某种灾难：健康、疾病、就业、升学等等。媒体正在把人民与自己的实际生活隔离开来。
媒体的高度商业化和娱乐化，损害的将会是人类几千年来为之奋斗的民主社会本身。媒体在美国，如伊拉克战争中，成为了政府精英中的一员，与政府共谋大计。杰佛逊在美国立国之初说，“我宁要一个没有政府的报纸，也不要一个没有报纸的政府。”希特勒把媒体变成了煽动战争的机器，苏联把媒体变成了宣传工具，导致了这两个国家的最终毁灭。而今天商
业化正在把媒体变成麻醉公众的精神鸦片，这又会给人类带来什么呢？
有的记者走得更远，他们甚至都不屑在写作中运用记者的报道笔法，而是也学着学者的腔调夸夸其谈。这些新型记者或者所谓学者型记者就像牧师那样，大版大版的版面被他们的空谈占据。Ｒｕｓｓｌｅ Ｂａｋｅｒ说，“美国新闻学的传统对媒体的要求是：安慰那些被折磨的人，折磨那些生活享受的人。而今天，那些媒体的投资者和老板，包括其中的某些大记者和主笔，本身就已经成了生活享受的人，而原本指望他们去折磨那些生活享受的人。也无法指望这些人会花大量的时间和精力去安慰那些受折磨的人。”
从这一点上看，媒体的巨大冲击力首先表现在对人们对社会、政治和经济现象理解上的操纵。这种媒体的操纵危害的是人的个性的张扬，影响公众有思考地参与民主建设。
早在上个世纪初，现代派诗人波德莱尔说：“我简直无法相信一个有尊严的男人在碰到一张报纸的时候，难道不会产生丝毫的厌恶？”这句话用到今天的报纸和电视上应该是更为贴切。
讲故事的风格
新闻记者的核心任务是做好邮递员，准确无误地传送信息。但是，传递信息的新闻报道仅仅是完成了记者的一半工作，另一半工作是在这篇报道里讲一个能渗入读者或听者灵魂的好故事。深入读者的灵魂，也就是打开读者的心灵之窗，需要记者把新闻写作当艺术那样，用艺术家那种苦心孤诣的精神，钻研写作艺术，勇于探索，尽善尽美，不留遗憾。用人性的观点和一套娴熟、敏捷、精确的手法采写你的作品。
在新闻作品中，最难采写的是一些没有新闻价值的普通人的故事。但是，这些普通人的故事却是广大普通人民群众生活的缩影，其社会意义可能比某个有新闻价值的人物更有价值，他们的故事是生活更深层次的现实，是更贴近真相的社会现实。
罗素．贝克是从《巴尔的摩太阳报》这样一家地方报纸初为记者的，由于采访写作和新闻敏感超人，被总编辑派驻白宫。但是，贝克到了白宫发现，“白宫是一个单调的场所，你坐在那里只是听到人们的呼吸。”后来，《纽约时报》总编聘他为该报专栏作家。贝克两次获得普利策奖，本人后来还担任了普利策奖的评委。他的《成长》是一部获得了普利策奖的作品，写的是他个人的故事。作为个人故事，首先是吸引读者，在作者的生活和性格上找到与读者的关联点，在作者和读者之间建立一种联系。找到这种联系不是一件简单的事情，颇费一番头脑。这里面凝结了作者对生活的深刻思考。作者的叙述手法和态度就像走钢丝那样，在自嘲和自豪之间寻求某种平衡。他是用一种近乎平淡无奇的写作风格在讲述自己的故事。但是，他的文字的优美之处恰好就在于其简单和朴实的文风，以致使读者在阅读他的故事的时候，完全沉浸在他的思路里了，完全忘记了他在语言上是否在雕琢和装饰。
一篇好的新闻故事化作品需要记者深入到那些往往被社会遗忘的角落去采访，去那些也许被视为所谓边缘文化或亚文化的社区寻找那些可能对整个社会的未来发展有意义的故事，这些故事很可能是社会发展的某种趋势，这些故事需要埃德加？斯诺的故事化艺术。在这方面，《中国青年报？冰点》特稿专栏做得极为出色。
《冰点》很像美国的讲故事新闻作品。美国早期的讲故事新闻作品更多的是体现记者个人风格的戏剧性的故事叙述。开始的时候，传统报纸的编辑们对这样的稿件不以为然。后来，当这些饱含了记者激情、故事内容扎实感人的新闻作品赢得了广大读者的好评，增加了报纸的销路，同时也获得了更多的广告后，《纽约时报》、《华盛顿邮报》等新闻界推崇的模范报
纸也刊载这类叙事性长篇通讯，叙事通讯开始被新闻界广泛接受。
早期的埃德加．斯诺正是这样的一名记者。上个世纪３０年代，斯诺在燕京大学任新闻学教授期间，美联社曾请他在该社做兼职记者，但是，他选择了做《星期六晚邮报》和《纽约太阳报》的兼职记者。他之所以这样做，是因为他不想“整天急急忙忙地赶写新闻，而耽误了写书、写文章”。那么，一位新闻学教授当记者，不写新闻，写的是什么样的文章和书呢？斯诺施展记者最了不起的绝技――讲故事新闻体裁，完成了《西行漫记》这一史诗般的新闻杰作。
从《西行漫记》到《冰点》，讲故事的新闻作品的艺术特点是什么？
１．叙事报道“坚持报道社会现实中的真人真事，敏锐地追踪时代的发展趋向”。真实性是新闻故事化的生命。“追踪的是事实、事实、事实，获取的是第一手材料。”正如斯诺所言，“从未亲眼目睹的事情，我是不愿意写的。”叙事报道的力量在于事实胜于雄辩。
２．讲故事新闻报道不是简单地罗列事实的“见闻录”，它蕴含着作者周密思虑的见地，渗透着出于正义而迸发出的激情。讲故事要求记者既要具备记者的敏锐感，又要有历史学家的鉴别力和政论家的推断力。一个成功的“叙事报道记者”一定是一个能认识事物本质，有分析能力，能够洞察事态发展趋势的人。他应该力求从现在的关联中显示过去和未来。
３．十分注意形象化的描述，善于捕捉生动的细节。读起来如身临其境，有强烈的现场感。
４．简洁有力的语言，风趣幽默的笔调。叙事明白清晰，描写生动活泼，人物对话和事情经过的穿插精炼简洁。
５．注重人物刻画．新闻学承担着建立公民社会的使命，除了关注和报道政府和公共政策公共事务外，新闻媒体还要关注政府公共事务之外的一个重要选题――媒体公共议程之外的世界里人民群众的真实生活，包括他们的生活态度、品位、动机、渴望和喜怒哀乐等．在叙事通讯中，对这类普通人物的刻画，应该像一个雕塑家一样，把一块泥巴揉搓成一个个鲜活的人物形象。
６．需要较长的篇幅。有的人可能会认为《冰点》的文字过多，篇幅太长了。但是，作为一篇叙事通讯，需要较宽的空间容纳大量鲜活的现场对话记录和细节描写，特别是要在特定的语境里讲述故事。叙述的事件和人物通过提供正确的背景性信息，使作品与读者发生关联，加深读者对故事的理解和关注，这种大篇幅的结构和空间也便于读者一边阅读一边思考。
讲故事新闻学与普通的新闻报道区别在哪里？毫无疑问，讲故事新闻通讯讲述的都是真实的故事，但是，读起来又像文学作品，怎样才能令读者相信叙述的都是准确的事实？美国新新闻学（叙述通讯）创始人、《纽约时报》前记者盖塔利斯曾说过这样一段话：“我所写的新闻已经不再是新闻，而是当代历史。新闻就像是一夜风流。我所做的我也鼓励你们去做的就是我希望你们把新闻当成一次婚姻而不是一夜风流。是否要超越仅做一个记者，决定权在于你们，但做记者是第一步。记者应当准确，别人要对你所写的东西进行核实。记者应当仔细，还应当公正。每一条新闻都有许多个观点，记者应该了解多方面的观点，但记者没有时间把所有的观点都写在一篇稿件里。这就是记者与非虚构作家的区别，非虚构作家有这个时间去把故事写得复杂。”超越倒金字塔
用一周、一个月的时间去写一篇作品，对大多数记者来说，是奢侈的。因此，最好的写作技巧就是采用倒金字塔的硬新闻写作方式。
什么是新闻的价值判断标准？媒体最常用的标准有两个： １）正常秩序的严重破坏。如杀人放火强奸。２）死亡。人死得越多，新闻价值越大，如伊拉克战场上的死亡。
但是，讲故事新闻学不是写这些极端的事件，讲故事新闻学是写新闻的过程，不是写新闻的极端结果；是写人民的日常普通生活。如果２００３年４月的这个春天里，北京有２００人因萨斯病故，你采写的这条新闻上了报纸的头版头条，这只能证明你是一个水平很一般的记者，如果你在２００３年４月的这个春天里，你写的特写《萨斯阴影下的北京的春天》上了报纸的头版头条，则表明你是一个了不起的记者。
硬新闻与讲故事新闻的差异（详见图１）
再如，萨斯报道。中外媒体每天关注和炒作的新闻都是又有多少人染上萨斯或死于萨斯。截至４月底，北京将近有１万人或染上萨斯或疑似萨斯或作为怀疑对象被隔离。如果作为一条新闻来报道，主要是从死亡和染病人数上写。但是，如果要从讲故事新闻学角度写，就需要找到一个人性的元素：一对热恋但无法相见的情人、一个因萨斯失去父母的女孩、或者一个孤苦伶仃的老人在萨斯时期的生活。事实上，北京每年的“两会”报道、胡锦涛主席会见外宾、温家宝总理到某地视察、国务院新闻办就艾滋病举行记者招待会、公安部关于社会治安的通报会等事件的报道，我们都可以尝试着这种新的写作风格：讲故事的新闻写作。
优秀的新闻作品听起来都是好听的故事。讲故事新闻学是用新闻中的故事抓住受众。讲故事的新闻学是一种突出描述艺术的写作风格，强调文字描述对感官的刺激，要求记者像语言艺术巨匠那样，用感觉化视觉化的文字报道新闻并发掘这个故事对读者生活的意义。具体的故事叙述技巧包括：●故事化新闻写作中的５个ｗ：“Ｗｈｏ”变成了故事中的人物、“Ｗｈａｔ”变成了故事情节、“Ｗｈｅｒｅ”变成了故事发生的场景、“Ｗｈｅｎ”变成了故事发生的时间顺序、“Ｗｈｙ”变成了故事的动机、“Ｈｏｗ”变成了叙述方式；
●细节：不仅仅用ｗｈｏ、ｗｈａｔ、ｗｈｅｒｅ、ｗｈｅｎ、ｗｈｙ这５个ｗ，不仅仅需要记下引语和事实，还要用你对细节的捕捉力，通过画面的描写，把读者带到新闻现场。
●悬念：一篇优秀的叙事新闻应该让故事慢慢展开，步步引诱，让读者不停地想要读下去。诱导留给读者的应该是娓娓动听、慢慢道来。
●人物刻画：通过故事中人物的眼睛叙述新闻事件，让读者感觉到记者不仅仅是报道事实，更是从人性的视角讲述这个事件。
●对话：把对话穿插到新闻报道中，会揭示新闻或新闻人物的意义。掌握好新闻报道使用对话的窍门，能加深新闻报道的深度和广度。
●变化：故事在叙述中要有起伏跌宕的变化，这样才能紧紧地抓住读者的注意力。
●结构：忌讳使用散文式的结构，结构要紧凑。
●视点：观点要一步到位，要毫不吝啬地铲除模糊报道主题和报道焦点的画面，不要乱糟糟地把各种细节和画面杂乱无章地堆积在一起。
●读者：在写作上，记者要清楚地知道读者是谁，能够超越业内的行话，顺畅并有一定的节奏感，读起来不可疙疙瘩瘩地不顺畅，最好是清晰透明直截了当。另外，数字的使用要少而精（惊）。
●篇幅：讲故事的目的是增添读者对新闻的理解深度，决不是夸张或是增加稿件的长度。
●结尾：故事化的写作用细节一步步制造一种越来越强烈的期待情绪，直到最后，最后一段通常有个戏剧性的结尾，据说每年黄山都有几对男女跳崖殉情。但是，并没有多少人为他们像罗密欧与朱丽叶的自杀那样偷偷流泪。这是因为莎士比亚通过超人的讲故事手法，在故事的最后，当读者或观众已经对这对情侣产生了感情，他们的自杀一定会在读者心中产生极度的悲伤那一刻，把这个戏剧性的高潮告诉观众。如果按照新闻倒金字塔的结构，某晚报的开头是这样写的：“欧洲某家族一对男女少年自杀，警方调查结果是殉情。”这种硬新闻的报道手法相信不会从读者那里赚到眼泪。
附图１：
类别 硬新闻 讲故事新闻
项目
思维方式 新闻记者 剧本作家
开头 倒金字塔 趣闻轶事
描述 事实（最重要的事实） 场景（最有戏剧性的瞬间）
穿插 引语 对话
内容 新闻性的信息 新闻中的故事
追求 事实的准确 生活的真理
采访方式 拦路采访 同车采访
关注焦点 事件 人物
要素 新闻要素 人性要素
结尾 没结尾（直截了 戏剧性的结尾（用细节
当陈述重要事实） 制造一种期待情绪，直到最后一段）